SHALOSH
«TALES OF UTOPIA»

Wieder sind da der eingängige Groove und die ausgeprägte Melodik, die den typischen Shalosh-Sound definieren. Wieder gibt es diese Dreierkompaktheit, die schon im hebräisch „drei“ bedeutenden Bandnamen steckt. „Ein israelisches Power-Trio. Heavy-Jazz!“, hörte der deutsche Rolling Stone und der Kritiker der Times eine „Verheißung“. Im Deutschlandfunk war die Rede von „Jazz auf der Überholspur“, der wieder „junge Jazzfans in ganz Europa“ erreicht. Jeder der in Tel Aviv nah beieinander wohnenden drei Musiker speist seine musikalischen Vorlieben Jazz, Klassik, Grunge, Rock, Techno oder Folk in den gemeinsamen Organismus ein, der die Elemente zu einem spannungsgeladenen Gemisch verdichtet. In begeisternden Konzerten rund um den Globus ist das weiter verfeinert worden, ohne das Publikum zu unterfordern. Diese Musik zielt gleichermaßen auf Herz, Intellekt und Beine.

SHALOSH is an instrumental piano trio, that belongs to the current generation of cross genre jazz groups able to reach a wide spectrum of audiences, in the Jazz world as well as in other genres.
Their music is raw, acoustic and progressive, crossing stylistic boundaries and defying definition.
In its ten years of activity, SHALOSH has performed an astonishing 350 international shows on some of the world’s most prestigious stages.
Despite its classic jazz trio format (piano, bass and drums) and the band members’ deep roots in jazz and improvised music, SHALOSH’s music weaves its own path and creates a unique and fascinating synthesis out of such varied genres as Rock, Classical, Electronic, African, and Middle Eastern music.
SHALOSH has set itself the goal of creating music that is both accessible and sophisticated, performing with great alacrity the balancing act of challenging themselves as musicians and artists, while leaving the door open for as wide an audience as possible, striving to break the distance screen that intellectual music may create. Their music comes from an emotional and raw place, the band’s reaction to today’s cold urban jungle.
The band released five albums thus far, two of them under ‘ACT Music’ and the third with the prestigious label will be released in late 2023.

«An Israeli power trio. Heavy jazz!»
Rolling Stone

«Great melodic ideas, strong ensemble playing and gorgeous sound»
Jazz Magazine

«A record-breaking trio with tremendous drive that tears down musical boundaries»
Lira

«These cosmopolitan Israelis are now exemplars of ACT’s European jazz ideals»
Nick Hasted, Jazzwise

Gadi Stern – Piano/Keys
David Michaeli – Double Bass
Matan Assayag – Drums
Foto am Tisch ©Yarden Rokach

SHALOSH
«TALES OF UTOPIA»

Wieder sind da der eingängige Groove und die ausgeprägte Melodik, die den typischen Shalosh-Sound definieren. Wieder gibt es diese Dreierkompaktheit, die schon im hebräisch „drei“ bedeutenden Bandnamen steckt. „Ein israelisches Power-Trio. Heavy-Jazz!“, hörte der deutsche Rolling Stone und der Kritiker der Times eine „Verheißung“. Im Deutschlandfunk war die Rede von „Jazz auf der Überholspur“, der wieder „junge Jazzfans in ganz Europa“ erreicht. Jeder der in Tel Aviv nah beieinander wohnenden drei Musiker speist seine musikalischen Vorlieben Jazz, Klassik, Grunge, Rock, Techno oder Folk in den gemeinsamen Organismus ein, der die Elemente zu einem spannungsgeladenen Gemisch verdichtet. In begeisternden Konzerten rund um den Globus ist das weiter verfeinert worden, ohne das Publikum zu unterfordern. Diese Musik zielt gleichermaßen auf Herz, Intellekt und Beine.

SHALOSH is an instrumental piano trio, that belongs to the current generation of cross genre jazz groups able to reach a wide spectrum of audiences, in the Jazz world as well as in other genres.
Their music is raw, acoustic and progressive, crossing stylistic boundaries and defying definition.
In its ten years of activity, SHALOSH has performed an astonishing 350 international shows on some of the world’s most prestigious stages.
Despite its classic jazz trio format (piano, bass and drums) and the band members’ deep roots in jazz and improvised music, SHALOSH’s music weaves its own path and creates a unique and fascinating synthesis out of such varied genres as Rock, Classical, Electronic, African, and Middle Eastern music.
SHALOSH has set itself the goal of creating music that is both accessible and sophisticated, performing with great alacrity the balancing act of challenging themselves as musicians and artists, while leaving the door open for as wide an audience as possible, striving to break the distance screen that intellectual music may create. Their music comes from an emotional and raw place, the band’s reaction to today’s cold urban jungle.
The band released five albums thus far, two of them under ‘ACT Music’ and the third with the prestigious label will be released in late 2023.

«An Israeli power trio. Heavy jazz!»
Rolling Stone

«Great melodic ideas, strong ensemble playing and gorgeous sound»
Jazz Magazine

«A record-breaking trio with tremendous drive that tears down musical boundaries»
Lira

«These cosmopolitan Israelis are now exemplars of ACT’s European jazz ideals»
Nick Hasted, Jazzwise

Gadi Stern – Piano/Keys
David Michaeli – Double Bass
Matan Assayag – Drums
Foto am Tisch ©Yarden Rokach

WILL JACOBS BAND
«BLUES FROM CHICAGO»

Known for his powerful, live performances, artist WILL JACOBS is a modern Blues/R&B/Soul artist. from Chicago, Illinois, USA. At 30 years old, he’s no stranger to performance stages.
Will honed his chops the old-fashioned way – experience. In his early teens, he was gigging in Chicago clubs backing many of the city’s finest blues men and women (while at the same time playing in a Grammy-winning, high school jazz band.)
In 2009, he attracted local and international attention when his first band (Dirty Deal) performed at the International Blues Showcase in Memphis, Tennessee (after having won the youth division of Chicago’s Windy City Blues Challenge.) The band left their mark because of Will’s mature improvisational skills and vocal talents, coupled with a strong, blues-infused sound. These experiences led to further study at Berklee College of Music (Boston, USA), gigging/composing/session work in Chicago & Berlin, a musical residency in Sri Lanka and touring with reknown, Zydeco artist C.J. Chenier.
Making the jump across the pond to Europe in mid-2016, Will began performing and sharing his dynamic blues sound in Berlin, Germany and throughout Europe with his own band, with Hohner-endorsee Marcos Coll, Gary Wiggins and others. He has performed concerts & festivals in Armenia, Austria, Belgium, Czech Republic, France, Germany, Italy, Luxembourg, Netherlands, Poland, Spain, Sweden, and Ukraine. An artist on the Ruf Records label, his first release “Goldfish Blues” has received strong reviews. Whether playing clubs or festivals, gigging or session work with other world-class musicians, Will brings energy, creativity and passion to every stage.

MALIA & BAND
„THE GARDEN OF EVE“
MPS ALBUM RELEASE CONCERT

Malia ist bekannt für ihre ausdrucksstarke Stimme. Mal wird die aus dem ostafrikanischen Malawi stammende Sängerin Malia als die pure Verkörperung des coolen Neo-Souljazz, dann wieder als Erneuerin der Sangestradition der großen Jazz-Diven wie Billie Holiday oder Nina Simone genannt – aber ebenso als Musikerin, die traditionelle afrikanische Klänge neu belebt. Die Kosmopolitin bewegt sich selbstsicher und gekonnt in den Genres Soul, Blues und Jazz.
Mit ihrem Debutalbum „Yellow Daffodils“ gelingt ihr sofort ein Charterfolg, ihr Video „Purple Shoes“ wird zur Legende. Im Jahr 2013 folgte dann die Auszeichnung des ECHO JAZZ als „Internationale Sängerin des Jahres“.
Mit all ihren Konzertauftritten und mittlerweile 7 Schallplatten hat sich Malia in der obersten Liga der gegenwärtigen Jazz- und Souldamen etabliert. Heute kann sie ihre Lieder mit einer derartigen Intensität und Reife vortragen, dass die Zuhörer:innen tief bewegt verspüren, mit welcher Kraft und mit welchem Lebenshunger diese Sängerin ausstaffiert ist. Mehr denn je stößt sie zum Kern ihrer Songs vor: „Viele meiner Songzeilen haben für mich heute eine viel tiefere Bedeutung bekommen, und ich habe einen starken inneren Drang verspürt, sie mit meinen heutigen Erfahrungen, auch mit den durchlebten harten Phasen meines Lebens, neu zu gestalten“.
Mehr denn je lotet Malia den emotionalen und spirituellen Tiefgang ihrer Lieder aus, und das gelingt ihr mit einer wundervollen Leichtigkeit, einer herrlich natürlichen Ausstrahlung und einem immens warmherzigen Ausdruck. Und wenn Blues Leben bedeutet, dann ist Malia die Energie, die es dem Blues ermöglicht, eine Seele, eine Stimme zu haben. Es ist lange her, dass eine zeitgenössische Künstlerin eine so schöne Hommage an den Blues kreiert hat.

She explored her African roots on the album „Malawi Blues/Njira“, released on MPS in 2016. On her 2018 release „Ripples (Echoes of Dreams)“, Malia shows another perspective on her former album „Echoes of Dreams“. Her latest release “The Garden of Eve” is dedicated to the blues.

„My heart beats for a lot of things. I think that’s because I’m coming from a mixed heritage marriage. I have never felt that I am one thing or the other, I’m rather a fusion of both and my music reflects that. It feels like I am evolving as a human being and although music is merely a mean of expression, I like the idea of ​​resonating with it–if its pace suits me. Blues has always been dear to my heart: it’s a cathartic experience, precious and profound, whether it’s playing it or listen to it on the radio! When I first heard Billie Holiday sing ’Blue Moon’, I could feel it with every cell of my body. She had such a powerful effect on me. Sentimental blues, originating from tragic situations, sometimes even reflecting my own experiences… No matter how bad family, friends, politics, lovers, governments or society might be, they can never destroy the forces for good in this world. And as time passes by, I more and more find the truth that is rooted in my soul. And I finally feel mature enough to understand this wonderful musical tradition–because blues means life. “

And if blues means life, Malia is the energy that allows the blues to have a soul, a voice. It has been a long time since a contemporary artist has made such a beautiful homage to the blues, a style that in the year 2020 deserves to have a bit of its dust brushed off.

Malia – Vocals
Laurent Seriès – Drums
Alexandre Saada – Piano
Jean Daniel Botta – Upright Bass
Foto©Dennis Dirksen

A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE

FACEBOOK LIVE

Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,

Facebook Andreas Schmidt

It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams

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It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams

Tino Derado Trio
„Embracing the Odds“

Die musikalischen Werke von Tino Derado verkörpern eine künstlerisch anspruchsvolle Synthese südamerikanischer Einflüsse und romantischer Melancholie. Seine Kompositionen zeichnen sich durch eine subtile Verbindung von rhythmischer Eleganz und klanglicher Finesse aus.
Begleitet wird Tino Derado von Diego Pinera, einem Echo-Preisträger und Schlagzeuger von außergewöhnlichem Talent, dessen virtuose Darbietungen der Musik zusätzliche Tiefe und Nuancen verleihen.
Josh Ginsburg, ursprünglich aus Baltimore und nun in Berlin ansässig, brillierte bereits in verschiedenen Weltklasseprojekten und bereichert Derados Werke durch seine musikalische Genialität.
Gemeinsam schaffen sie eine faszinierende Klanglandschaft, die durch ihre virtuose Ausführung und emotionale Bandbreite beeindruckt.

Tino Derado – Piano
Josh Ginsburg – Bass
Diego Pinera – Drums

MATTHIEU CHAZARENC
CANTO III
ALBUM RELEASE ON BONSAÏ MUSIC
FEAT: Laurent Derache-Sylvain Gontard-Christophe Wallemme

With this new opus, jazz drummer and composer Matthieu Chazarenc continues to delve further into the world he started exploring in his first two albums Canto (2017) and Canto II (2021). The result is one of a subtle blend of cinematographic inspirations, traversed by classical, Latin but also Gascogne influences. An accomplished melodist, Matthieu manages to convey atmospheres that are sometimes nostalgic and melancholic, and sometimes lively and swirling but always delightfully intoxicating.
Parisian by adoption and at the head of his quartet Canto, the jazzman has kept his compass oriented to the south. Indeed, at the heart of Canto III resonate influences from the South of Spain, the Mediterranean, South America and last but least, the motherland of his southwestern French heritage.
Roots are obviously at stake in his new compositions as they provide a firm anchorage into the land and a sturdy base from which to rise but also as they require protection and preservation.This need for authenticity and integrity is best expressed by Matthieu’s wish to favor the natural timbre of the instruments and their ability to deliver both pure and acoustic tonalities.
To go on his south-bound journey, Mathieu can count on his trustworthy companions Christophe Wallemme on double-bass, Sylvain Gontard on the bugle and Laurent Derache on the accordion. Performing together in the course of numerous concerts and tours since 2017, they have built a great rapport and have reached an idiosyncratic musical identity that can be felt at every single concert. Each member of the quartet brings into play his own color and sound to better serve the original melodies composed by Matthieu.
To close this triptych, the musicians have invited distinguished guests who, in the span of a song, have lent their voices or instruments to join Canto in their musical journey.
Elegant, ebullient, and emotional, this third album by Canto reveals a wide range of musical colors, sublimated by the enthusiastic intensity of playing and performing together.

Canto III will be released on 26th January 2024 by Bonsaï Music.

Matthieu Chazarenc – Drums / Compositions
Laurent Derache – Accordion
Sylvain Gontard – Bugle
Christophe Wallemme – Double Bass

ACT Music & Jazz Club A-Trane präsentieren:

Lily Dahab
Bajo un mismo cielo

Mittlerweile hat sie mit ihrer Band und Orchester schon zweimal den Kammer- musiksaal der Berliner Philharmonie mit 1.100 Menschen komplett ausver- kauft.
„Wir sind alle Kinder aus einer gemeinsamen Wurzel, unter demselben Himmel.“ Unter diesem gleichen Himmel, so der Titel ihrer aktuellen CD hat die Sängerin aus Buenos Aires mit ihrer multinationalen Band großartige Lieder aus ihrer Heimat Argentinien, aus Brasilien, Uruguay, Chile und Spanien, Klangfarben aus Tango, argentinischer Folklore, Samba, Flamenco und Bossa Nova versammelt – und in ihrer einzigartigen Weise mit dem Jazz und Originals verknüpft. Bajo un mismo cielo gibt dem Bekenntnis zu kreativem Miteinan- der eine musikalische Stimme.

Durch ihre beiden Alben nomade und Huellas und in über 300 Konzerten haben sich Lily Dahab und ihr Quartett eine große Fangemeinde erspielt – denn die ist fasziniert von dieser tiefempfundenen Vokalkunst, die alle Facetten von fun- kelnder Leidenschaft bis zu inniger Melancholie in sich trägt.

„Himmlisch»
jazzthing
„Großartig! Charismatisch und live eine absolut überzeugende Band.“
rbb kulturradio
„Ganz phantastisch!“
Deutschlandfunk Kultur

Lily Dahab – Vocals
Bene Aperdannier- Piano, Rhodes
Camilo Villa Robles – Bass
Carlos Corona – Guitar
Topo Gioia – Percussion
Foto© Janine Guldener

Lily Dahab
Bajo un mismo cielo

Mittlerweile hat sie mit ihrer Band und Orchester schon zweimal den Kammer- musiksaal der Berliner Philharmonie mit 1.100 Menschen komplett ausver- kauft.
„Wir sind alle Kinder aus einer gemeinsamen Wurzel, unter demselben Himmel.“ Unter diesem gleichen Himmel, so der Titel ihrer aktuellen CD hat die Sängerin aus Buenos Aires mit ihrer multinationalen Band großartige Lieder aus ihrer Heimat Argentinien, aus Brasilien, Uruguay, Chile und Spanien, Klangfarben aus Tango, argentinischer Folklore, Samba, Flamenco und Bossa Nova versammelt – und in ihrer einzigartigen Weise mit dem Jazz und Originals verknüpft. Bajo un mismo cielo gibt dem Bekenntnis zu kreativem Miteinan- der eine musikalische Stimme.

Durch ihre beiden Alben nomade und Huellas und in über 300 Konzerten haben sich Lily Dahab und ihr Quartett eine große Fangemeinde erspielt – denn die ist fasziniert von dieser tiefempfundenen Vokalkunst, die alle Facetten von fun- kelnder Leidenschaft bis zu inniger Melancholie in sich trägt.

„Himmlisch»
jazzthing
„Großartig! Charismatisch und live eine absolut überzeugende Band.“
rbb kulturradio
„Ganz phantastisch!“
Deutschlandfunk Kultur

Lily Dahab – Vocals
Bene Aperdannier- Piano, Rhodes
Camilo Villa Robles – Bass
Carlos Corona – Guitar
Topo Gioia – Percussion
Foto© Janine Guldener

A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE

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It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams

A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
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FACEBOOK LIVE

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It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams

MIA GJAKONOVSKI QUARTETT

FEAT: JAKOB REISENER – TABEA KIND – MALTE WIEST

Mia Gjakonovski ist eine in Berlin lebende Sängerin, Komponistin und Song-Writerin.
Aufgewachsen in einer musikalischen Umgebung, begann sie schon in sehr jungen Jahren mit verschiedenen Bands aufzutreten.
Das Songwriting war schon immer ein großer Teil ihres kreativen Ausdrucks, dem sie in den vergangenen Jahren mehr und mehr nachging.
Jetzt komponiert Mia regelmäßig für ihre verschiedenen Band-Projekte. Dabei beeinflussen verschiedenste Genres ihr künstlerisches Schaffen.
In dem kreativen Chaos dieser kontinuierlich forschenden und suchenden Musiker*innen, transportiert die Sängerin Mia in ihrer Musik ihre Ideen und Stimmungsbilder und vereint dabei unterschiedliche Elemente, wie Rhythmik, improvisierte Melodien und Worte, mit klassischen Songstrukturen. Somit erschafft sie eine wohlige Atmosphäre und es entstehen Songs mit anspruchsvollen Rhythmen und eingängigen  Melodien, geformt aus akustischen und elektronischen Instrumenten, Vocal- Effects und der dazugehörigen warmen, meist tiefen Stimme der Sängerin.
Mia Gjakonovski vereint diese Klangwelt mit Texten, die zum Nachdenken anregen und den Zuhörer*innen Raum für eigene Interpretationen und das Träumen lassen.
Mia ist Studentin der renommierten und hochangesehenen Jazz-Musikhochschule JIB-Jazz Institut Berlin.
In dem aktuellen Projekt trifft Mia auf Musikerkolleg*innen, die sich auf Augenhöhe begegnen und ihre Kompositionen auf sehr organische Art weiterentwickeln. Nach gemeinsamer Arbeit im Studio gehen die vier jungen Musiker*innen nun mit frischer Inspiration auf Tour.

Mia Gjakonovski – Vocal / Effects / Composition
Jakob Reisener – Piano
Tabea Kind – Bass
Malte Wiest – Drums

Fotos© Alina Cherubin / Mila Horst

Erik Leuthäuser Quartett
«SUCHT»
Record Release-Konzert Fun in the Church/Staatsakt
FEAT: JULIUS WINDISCH-SOFIA EFTYCHIDOU-ANDI HABERL

Er ist eines der herausragenden jungen Vokal-Talente in Deutschland. Erik Leuthäuser kommt vom Jazz, hat sich inzwischen aber seine eigene Welt zwischen progressiver Jazz-Haltung und alternativem Pop-Song geschaffen. In der Quartett-Besetzung bringt er sein Konzept-Werk „Sucht“ auf die Bühne, das am 26.04.2024 bei Fun in the Church/Staatsakt erscheint.
Die aktuellen Songs kreisen um das Thema „Sucht aus queerer Perspektive“. Dass Erik Leuthäuser vorbehaltlos persönlich sein kann, hatte er schon auf seinem vielfarbig schillernden Crossover-Album „Wünschen“ demonstriert. Da schlug er einen Bogen vom Friedrich Hollaender-Chanson über einen selbst eingedeutschten Duke Ellington-Klassiker bis zum Dota-Stück oder eigenen Songs wie „Kannst du mein Kangaroo sein“. Den neuen „Sucht“-Zyklus setzt er live mit einem Klaviertrio um. Mit dabei: der brillante Jazz-Pianist Julius Windisch, Jazz-Bassistin Sofia Eftychidou und Drummer Andi Haberl, Mitglied von The Notwist und dem Andromeda Mega Express Orchestra.

Erik Leuthäuser (*1996) ist ein junger Sänger und Komponist, der im Grenzbereich von Jazz und Experimental Pop arbeitet und dabei vermehrt die deutsche Sprache einsetzt. Ehrlich und frei von Klischees, inspiriert von seinen Erfahrungen als junger schwuler Mann in der Großstadt Berlin. Der Mannheimer Morgen beschreibt ihn als »glänzenden jungen Sänger, der als die kommende Stimme im deutschen Jazz gilt«. Sein Debütalbum wurde 2015 für den Preis der deutschen Schallplattenkritik nominiert. Er sang Background für Quincy Jones, George Benson, Dee Dee Bridgewater und Jacob Collier und nahm Alben mit Jazz-Legenden wie Ken Peplowski, Alan Broadbent und Kurt Rosenwinkel auf.

«Revolutionär im Umbruch: Glänzender junger Sänger gilt als die kommende Stimme im deutschen Jazz.»
Mannheimer Morgen

«His voice is beautiful and free, he is young and dedicated, honest and full of music.»
Sabine Kühlich/Jazz singer

Erik Leuthäuser – Vocal
Julius Windisch – Piano / Synthesizer
Sofia Eftychidou – Bass
Andi Haberl – Drums
Foto Album Cover© David Mesa
Andi Haberl Foto©Rainer Ortag
Erik Leuthäuser Foto©Lisa Wassmann
Julius Windisch Foto©Michael Steiner
Sofia Eftychidou Foto©Gerhard Richter

ATRIN MADANI
„WHERE ARE WE NOW“

Atrin Madani ist längst kein Unbekannter mehr in der Jazzszene. Mit seiner beeindruckenden Stimme und seinem vielseitigen Repertoire hat sich der Sohn iranischer Einwanderer mittlerweile einen Platz in den Herzen der Jazz-Liebhaber erobert.
Man hört dem Berliner Sänger die intensive Beschäftigung mit Vorgängern wie Frank Sinatra, Mel Tormé, Andy Williams oder Tony Bennett an. Er ehrt die Meister jedoch, indem er sie nicht kopiert, sondern selbstbewusst seinen eigenen Weg geht. Basierend auf der Klang-Ästhetik einer Norah Jones, einer Diana Krall oder eines Till Brönner widmet sich Madani vielmehr einer handverlesenen Auswahl an Liedern, die im Jazz bislang weitestgehend unbesungen geblieben sind.
Auf seinem 2023 erschienenen Debut-Album „Where Are We Now?“ schafft er eine zutiefst persönliche Verbindung, die der Millennial zu den Liedern der Boomer hat – und lässt dabei nebenbei die vermeintlich unüberwindlichen Frontlinien zwischen den Generationen als obsolet erscheinen.

In seinen Interpretationen der Songs von u.A. David Bowie über Steely Dan, Michael Franks, Coldplay bis hin zu Nick Drake erkennt man Madanis enorme Leidenschaft für gutes Songwriting und bewegende Geschichten. „In Deutschland und in Europa haben wir im Jazz oft das Problem, dass wir viel zu viel Kunst machen wollen. Und nicht die Kunst darin sehen, andere Menschen zu berühren“, sagt der Sänger.
Mit „Where Are We Now?“ gelingt Atrin Madani genau das: den Zuhörenden nahezukommen und sie mit auf eine Reise zu nehmen. Ins Gestern und Morgen. Ins Hier und Jetzt. Dorthin, wo der Jazz schon immer am besten aufgehoben war. Sein Debüt-Album wurde 2024 für den Deutschen Jazzpreis in der Kategorie „Debüt-Album des Jahres“ nominiert.

„Atrin Madani begeistert, eine neue Stimme und was für eine! Eine Art sehr junger Crooner, ohne die Clichés die dazugehören. Wenn Atrin Madani singt, meint man, er würde das direkt nur für einen selber tun. Er ist so nah in diesen Songs.“
RBB

„Ein Jazz-Sänger mit einer verblüffenden Souveränität im Ausdruck und einem ausgereiften musikalischen Konzept.“
DLF Kultur

„Anders als es das Retroalbum vermuten lässt, ist es keine Nostalgie, sondern ein Qualitätsbewusstsein, das Atrin Madani beschwört.“
Tagesspiegel

Atrin Madani – Vocal
Alexander Ruess – Guitar
Christian von der Goltz – Piano
Thomas Stieger – E-Bass
Thomas Alkier – Drums
Fotos©Bauendahl

ATRIN MADANI
„WHERE ARE WE NOW“

Atrin Madani ist längst kein Unbekannter mehr in der Jazzszene. Mit seiner beeindruckenden Stimme und seinem vielseitigen Repertoire hat sich der Sohn iranischer Einwanderer mittlerweile einen Platz in den Herzen der Jazz-Liebhaber erobert.
Man hört dem Berliner Sänger die intensive Beschäftigung mit Vorgängern wie Frank Sinatra, Mel Tormé, Andy Williams oder Tony Bennett an. Er ehrt die Meister jedoch, indem er sie nicht kopiert, sondern selbstbewusst seinen eigenen Weg geht. Basierend auf der Klang-Ästhetik einer Norah Jones, einer Diana Krall oder eines Till Brönner widmet sich Madani vielmehr einer handverlesenen Auswahl an Liedern, die im Jazz bislang weitestgehend unbesungen geblieben sind.
Auf seinem 2023 erschienenen Debut-Album „Where Are We Now?“ schafft er eine zutiefst persönliche Verbindung, die der Millennial zu den Liedern der Boomer hat – und lässt dabei nebenbei die vermeintlich unüberwindlichen Frontlinien zwischen den Generationen als obsolet erscheinen.

In seinen Interpretationen der Songs von u.A. David Bowie über Steely Dan, Michael Franks, Coldplay bis hin zu Nick Drake erkennt man Madanis enorme Leidenschaft für gutes Songwriting und bewegende Geschichten. „In Deutschland und in Europa haben wir im Jazz oft das Problem, dass wir viel zu viel Kunst machen wollen. Und nicht die Kunst darin sehen, andere Menschen zu berühren“, sagt der Sänger.
Mit „Where Are We Now?“ gelingt Atrin Madani genau das: den Zuhörenden nahezukommen und sie mit auf eine Reise zu nehmen. Ins Gestern und Morgen. Ins Hier und Jetzt. Dorthin, wo der Jazz schon immer am besten aufgehoben war. Sein Debüt-Album wurde 2024 für den Deutschen Jazzpreis in der Kategorie „Debüt-Album des Jahres“ nominiert.

„Atrin Madani begeistert, eine neue Stimme und was für eine! Eine Art sehr junger Crooner, ohne die Clichés die dazugehören. Wenn Atrin Madani singt, meint man, er würde das direkt nur für einen selber tun. Er ist so nah in diesen Songs.“
RBB

„Ein Jazz-Sänger mit einer verblüffenden Souveränität im Ausdruck und einem ausgereiften musikalischen Konzept.“
DLF Kultur

„Anders als es das Retroalbum vermuten lässt, ist es keine Nostalgie, sondern ein Qualitätsbewusstsein, das Atrin Madani beschwört.“
Tagesspiegel