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Sophie Wegener / Paulo Morello & Marc Muellbauer «Minha Alma Canta» Bossa Nova English: The Franco-German singer Sophie Wegener, “Germany’s no.1 Bossa nova artist” according to Die Welt, has dedicated herself entirely
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Sophie Wegener / Paulo Morello & Marc Muellbauer
«Minha Alma Canta»
Bossa Nova
English:
The Franco-German singer Sophie Wegener, “Germany’s no.1 Bossa nova artist” according to Die Welt, has dedicated herself entirely to this genre. The bitter-sweetness, the joyful rhythms paired with melancholy melodies and beautiful lyrics make Bossa nova irresistible to her and she feels a deep love and connection to this music. With an incredible ear for language and a chameleon-like ability to make Brazilian Portuguese her own, she takes you back to the beach front bars of 1960s Rio where Tom Jobim and João Gilberto were regulars. But you might ask: “What is Bossa nova, anyway?” In the words of the immortal Vinícius de Moraes, diplomat and lyric writer extraordinaire, “Bossa nova is the youngest child of traditional samba who had an affair with jazz.”
Sophie is supported by the virtuoso guitarist Paulo Morello who toured with Bossa legends Leny Andrade and Johnny Alf and the versatile Marc Muellbauer on acoustic bass. In fact, the two of them frequently perform together as a duo.
Sophie Wegener’s concerts are an “enchanting journey, and her sweet and casually relaxed voice seduces with a colorful program full of emotions (Jazzthing).” And even if she gets to take center stage as a singer, there is still a lot of room for her musicians on guitar and acoustic bass to delight the audience with numerous solos.
Deutsch:
Die deutsch-französische Sängerin Sophie Wegener hat sich ganz dem Bossa nova verschrieben, der Musik, die in den späten 1950er Jahren in Brasilien ‘erfunden’ wurde. Nachdem sie mit ihrer Band Zona Sul drei Alben veröffentlichte (“Pure love – Um amor tão puro”, “Beira” und “Tem mais samba”) und weltweit in Jazzclubs auftrat, geht sie begleitet von Gitarre und Bass neue Wege und entscheidet sich für einen noch intimeren Sound. Dabei verzaubert sie die Zuhörer mit großen Gefühlen und heiter entspannten bis bittersüßen Kompositionen von Tom Jobim, Caetano Veloso oder Baden-Powell.
Mit Paulo Morello an der Gitarre und Marc Muellbauer am Kontrabass stehen ihr nicht nur erstklassige Begleiter zur Seite – es ist ein besonderes Erlebnis das Zusammenspiel dieser beiden Virtuosen zu erleben. Und auch wenn Sophie Wegener als Sängerin im Mittelpunkt steht, bleibt immer genug Raum für ihre Musiker die Zuhörer mit zahlreichen Soli zu begeistern.
«Musik, die alle Sinne umschmeichelt. Traumhaft.»
Süddeutsche Zeitung
«Deutschlands Bossa-Nova-Interpretin Nummer eins.»
Die Welt
Mit Marc Muellbauer und Paulo Morello treffen zwei Meister ihres Faches zusammen.
Paulo Morello gilt als einer der interessantesten Jazzgitarristen Europas. Zusammen mit der Grammy-Gewinnerin Leny Andrade oder dem Bossa Nova-Urvater Johnny Alf gastierte Morello auf den bedeutendsten Europäischen und Südamerikanischen Jazz Festivals. Seine Feuertaufe in Sachen Hammond-Trio bestand er als Sideman des legendären Jimmy Smith, den er auf dessen letzter Europa-Tournee begleitete. Darüber hinaus arbeitete er mit Randy Brecker, Bob Mintzer, Paul Kuhn, Ivan Lins, Pat Martino, Airto Moreira, Ulf Wakenius, Philip Catherine und Larry Coryell zusammen. “Paulo Morellos Gitarre klingt, als hätte es George Benson nach Rio de Janeiro verschlagen“, so die AZ München. Seit 2020 lehrt Morello als Professor für Gitarre am Jazz Institut Berlin.
Marc Muellbauer, in London geboren und in Berlin lebend, arbeitet als Bassist, Komponist und Bandleader. Als Mitglied des Julia Hülsmann Quartet hat er mit Not Far From Here 2019 seine siebte CD für das Münchener Label ECM aufgenommen. Neben dem Quartett, und dem Julia Hülsmann Trio, komponiert und arrangiert er für seine neunköpfige Band Marc Muellbauer’s Kaleidoscope und das Wood and Steel Trio. Er arbeitet in so unterschiedlichen musikalischen Umfeldern wie dem Lisbeth Quartett, in elektronischer Musik mit Moritz v. Oswald, im Studio an Filmmusik, mit Singer-Songwritern und in der Neuen Musik.
Sophie Wegener – Vocals
Paulo Morello – Guitar
Marc Muellbauer – Acoustic Bass
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Sophie Wegener – Vocals
Paulo Morello – Guitar
Marc Muellbauer – Acoustic Bass
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ADHD AT THE A-TRANE “SPONTANEOUS BERLIN CONCERT” ADHD will perform a spontaneous concert with songs from their catalogue of all recordings. It is almost impossible to describe their concerts along traditional
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ADHD AT THE A-TRANE
“SPONTANEOUS BERLIN CONCERT”
ADHD will perform a spontaneous concert with songs from their catalogue of all recordings.
It is almost impossible to describe their concerts along traditional musical parameters. A performance by these four friends is always an all-encompassing ritual, a magic potion of incantation dance and a phenomenon of nature. They simply produce their energy out of themselves. This unbridled stream of human vibration, which overrides all perimeters of genre and fascinates jazz fans as much as rock fans and ravers.
ADHD celebrated last year 2023 their tenth anniversary of performing in Germany at the A-Trane.
«Man kann das Jazz nennen — muss man aber längst nicht. Wir haben alle einen unterschiedlichen musikalischen Background. Ich denke, das macht diese unterschiedlichen Sounds und die Vielseitigkeit unserer Platten aus. Jeder von uns schreibt auf eine andere Art und Weise, aber wir kommen mit Respekt und Liebe für die Spielweise des anderen zusammen und finden eine Basis, um jedes Stück zu bearbeiten»
Thómas Jónsson
Zu den Einflüssen der Band gehört Miles Davis genauso dazu wie Radiohead, Dr. John und Steely Dan.
ADHD gründeten sich 2009, als der Saxophonist Óskar Guðjónsson eine Anfrage vom „Blues and Jazz Festival“ in Höfn (eben jenem Ort, wo mehr als 12 Jahre später „ADHD 8“ entstand) erhielt. Er überlegte, mit welcher Formation er auftreten wollte — und entschied sich, gemeinsam mit seinem Bruder Ómar an der Gitarre, Davíð Þór Jónsson an den Keyboards und Magnús Trygvason Eliassen am Schlagzeug ein neues Quartett zu gründen. Die Chemie stimmte — und nur ein Jahr später erschien mit „ADHD“ das Debütalbum der Band, das bei den Icelandic Music Awards als „Jazz- Album des Jahres“ ausgezeichnet wurde. In den Folgejahren tourte die Band kontinuierlich und veröffentlichte fünf weitere Studioalben (darunter ein Doppelalbum) und ein Livealbum. 2018 verließ Davið Þór die Band — statt ihm kam Tómas Jónsson, der im Laufe der Jahre immer wieder mal als Ersatzmann eingesprungen war. Eine perfekte Wahl — die Band war wieder komplett und lädt ihre Fans nun mit ADHD zum nächsten akustischen Abenteuer ein.
Óskar Guðjónsson – Saxophone
Ómar Guðjónsson – Guitar / Bass
Thómas Jónsson – Piano / Keys
Magnús Trygvason Eliassen – Drums / Percussion
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Óskar Guðjónsson – Saxophone
Ómar Guðjónsson – Guitar / Bass
Thómas Jónsson – Piano / Keys
Magnús Trygvason Eliassen – Drums / Percussion
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Jens Düppe Quartett Jazz On Vinyl Records Album Release «TEN YEARS» Das Jens Düppe Quartett präsentiert sein aktuelles Jubiläumsalbum „TEN YEARS“ zum 10 Jährigen Bestehen der Formation. «TEN YEARS“ erschien für das junge
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Jens Düppe Quartett
Jazz On Vinyl Records Album Release «TEN YEARS»
Das Jens Düppe Quartett präsentiert sein aktuelles Jubiläumsalbum „TEN YEARS“ zum 10 Jährigen Bestehen der Formation.
«TEN YEARS“ erschien für das junge und aufstrebende exklusiv Label jazz-on-vinly aus Erding. Das Quartett hat sich für sechs “Best Of“ Kompositionen der letzten drei Alben entschieden und diese live in der Jazzschmiede Düsseldorf aufgenommen.
Das Quartett um den Kölner Schlagzeuger und WDR Jazzpreisträger überzeugt von Anfang an. Bereits mit seinen ersten Alben rief es Reaktionen hervor wie „leading light for modern jazz“ (Midwest record) oder „bester europäischer Jazz“ (Jazzpodium). 2018 wurde Düppe als “bester Drummer national” zum ECHO Jazz nominiert. Zusammen mit dem Trompeter Frederik Köster, dem Pianisten Lars Duppler und Christian Ramond am Kontrabass tritt das Quartett als Ganzes derartig stark auf, dass die live Presse nicht umhin kommt, die Konzerte des Quartetts als „atemberaubende Klangabenteuer” (Holsteiner Courier) oder schlichtweg als „happenings zu betiteln.”
Reinhard Köchl
Sind Schlagzeuger wirklich die besseren Bandleader? Vielleicht sogar die besseren Komponisten? Diese Fragen stellen sich nicht wenige spätestens seit Art Blakey, der mit seinen Jazz Messengers Geschichte schrieb und über Generationen mehr Ausbildung betrieb, als dies je an einer Hochschule möglich gewesen wäre. Chico Hamilton, Paul Motian, Ben Riley, Al Foster, Bill Stewart, Jack DeJohnette und in Deutschland auch Jens Düppe beweisen vor allem eines: Sobald ein Drummer den imaginären Dirigentenstab in der Hand hält, klingt jede Band anders. organischer, komplexer, ausgeglichener.
Jedes Publikum eines Konzertes mit dem Jens Düppe Quartett weiß nach einem facettenreichen, spannenden und entspannten Abend exakt, wo dieser Unterschied liegt. Denn Düppe ist definitiv einer der musikalischsten Schlagzeuger der Republik. Kein Haudrauf-Bumbum-Athlet, der sein Drumset als „Schießbude“ oder „Batterie“ missdeutet. Denn aus den Fellen können Noten wachsen, viele Noten, vom Puls und den Pausen einmal ganz zu schweigen. Der 48-jährige Kölner interpretiert seine Rolle nicht als klassisch heizender, hochtouriger Verbrennungsmotor, sondern sieht sich eher als fein schnurrender E-Antrieb, der alles unspektakulär, aber höchst effektiv am Laufen hält, sowohl die Rhythmen wie auch die Töne. Er ist der Puls der Musik, ganz egal, ob sie modern swingt oder in spannende Klangcollagen mündet, und versteht es eindrucksvoll, seinen Fantasien mit feinen Händen Gestalt zu verleihen.
Jens Düppe allein bei seiner Arbeit zu beobachten, bereitet enormes Vergnügen. Er fächert mit den Handflächen auf den Becken oder den Trommelfellen, lässt genüsslich Shaker durch die Luft kreisen oder legt einen ganzen Teppich voller Polyrhythmen auf das Set, so als wäre es das Einfachste der Welt. Mit dieser wundersamen Melange aus Groove und Klang gelingt es ihm, die Mitglieder seiner „Freundesband“ in einen großen, kollektiven Sog zu lotsen und sie dabei noch ein Quäntchen besser klingen zu lassen. Bei Frederik Köster wäre dies eigentlich gar nicht mehr nötig. Dem augenblicklich besten deutschen Jazztrompeter gelingt es aber tatsächlich, in diesem Quartett eine neue Stufe seiner unglaublichen Fähigkeiten zu erklimmen. Köster tänzelt ebenso wie seine drei Brüder im Geiste, nahezu schwerelos durch das musikalische Hügelland der Düppe-Kompositionen, bis alles zu einem kollektiven Ausdruck verschmilzt. Eine Frage des gegenseitigen Vertrauens und eines stabilen Zentrums. Dem fügen sich auch Pianist Lars Duppler, der mit seinen lyrisch verbindenden Läufen so etwas wie der Wunschpianist jeder zeitgenössischen Combo ist, sowie der unverkennbar geschmackvolle Bassist Christian Ramond, von Düppe „meine Legende“ genannt, weil nun mal jede Band ihre eigene Legende braucht.
Diese hier besteht nun schon zehn Jahre in derselben Besetzung. Eine lange Zeit, aus der fünf Alben erwuchsen, eine ungewöhnliche Form der Kontinuität. Oder vielleicht der Beweis, dass es sich lohnt, „dran“ zu bleiben, ein Klangbild immer mehr zu verfeinern, daran zu arbeiten, es gleich einer rohen Skulptur mit Details zu versehen, Rundes und Weiches durch Eckiges und Kantiges zu ersetzen oder umgekehrt. Die Entwicklung einer kreativen Keimzelle ist nie zu Ende, vor allem wenn die Vertrautheit wächst. Denn dieser eine Moment, auf den es im Jazz ankommt, beginnt jedes Mal von vorne.
Jens Düppe – Drums, Compositions
Frederik Köster – Trumpet
Lars Duppler – Piano
Christian Ramond – Bass
Foto Band©Jürgen Bindrim
Band Foto Von Hinten Foto©Peter Trümmers
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Jens Düppe – Drums, Compositions
Frederik Köster – Trumpet
Lars Duppler – Piano
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DAVID HAYNES AND FRIENDS «GROOVE NIGHT» “Come out and enjoy our new project dedicated to all the groove nights in the history with David Haynes and Friends Show inviting
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DAVID HAYNES AND FRIENDS
«GROOVE NIGHT»
“Come out and enjoy our new project dedicated to all the groove nights in the history with David Haynes and Friends Show inviting Colin Rich, Ania Szarmach, Till Sahm, Max Bahr, Ben Jud.»
David
David Haynes
Mitte der neunziger Jahre sorgte ein junger Amerikaner auf Drumfestivals und Musikmessen für Furore. Mit einer handlichen Drum Machine bewaffnet, legte David Haynes mit zwei Fingern Grooves aufs Parkett, für die andere ein großes Fusion-Besteck benötigten. Mit atemberaubender Schnelligkeit und beeindruckendem Feel begleitete er auf die-sen kleinen Pads dadurch bereits in jungen Jahren etliche bekannte Szene-Ikonen. Heute ist er nicht nur der Großmei-ster des Fingerdrummings, sondern auch am Drumset zu einem weltweit gefragten Musiker avanciert. Übrigens: David Haynes ist der Schlagzeuger der Till Brönner Band. Er spielte auch u.a. mit Prince, Chaka Khan, Lee Ritenour, Joe Za-winul und viele andere.
Ania Szarmach
Musikerin, Sängerin, Komponistin, Texterin und Produzentin. Sie absolvierte die Gesangsabteilung der Abteilung für Jazz- und Unterhaltungsmusik an der Musikakademie in Katowice. Ihre Stimme ist als Hintergrundstimme in Dutzenden von Schallplatten polnischer Sänger und Musiker zu hören. Parallel dazu ging sie ihren ganz individuellen, eigenständigen musikalischen Weg. Sie veröffentlichte vier Alben – Sharmi (2006), Inna (2010), POZYTYWka (2012), Shades of Love (2016). Sie wurde dreimal zusammen für die Fryderyk Awards (2006, 2010) und zweimal für Super Jedynka (2007) nominiert. 2013 begann Ania ihre künstlerische Zusammenarbeit mit dem amerikanischen Soul- und Jazzmusiker Frank McComb. Daraus entstanden ihre gemeinsamen Konzerte zwischen 2013 und 2016. Die Musik von Ania Szarmach ist eine Kombination aus vielen Stilrichtungen – Soul, Jazz, R’n’B, Clubmusik. An ihren Projekten nahmen exzellente Jazz- und Popmusiker aus Polen und der Welt teil, wie Anna Maria Jopek, Marcin Wasilewski, Adam Bałdych, David „Fingers“ Haynes, Frank McComb uva. Sie spielt ihre Konzerte auch in Polen und im Ausland.
Colin Rich
Wenn man in einer Stadt aufwächst, die mit Musikgrößen wie Elvis Presley, BB King oder Aretha Franklin in Verbindung gebracht wird, in einer Stadt, die die Leute „Geburtsort des Rock’n’Roll“ oder „Heimat des Blues“ nennen, ist es nur natürlich, dass man in jungen Jahren gezwungener Maßen selbst zur Musik hingezogen wird:)
Genauso wie der in Memphis Tennessee geborene Sänger Colin Rich. Die Liebe zur Musik erwischte ihn schon früh in seinem Leben und so verbrachte er viele Stunden seiner Jugend in der Beale Street, der legendären Bluesmeile von Memphis, wo er seine ersten Auftritte in einigen der berühmten Bars und Clubs hatte. Hier entwickelte er seine fantastische, gefühlvolle Stimme und fesselnde Bühnenpersönlichkeit. Anschließend studierte er Musik an der Overton High School of Perfoming Arts und sang in mehreren Chören von Memphis und eröffnete eine Show für Musikstars wie Stevie Wonder.
Seine Reiselust und eine Aufnahmesession in Berlin als Background-Sänger brachten Colin 1993 in die deutsche Hauptstadt. Neue Karrieremöglichkeiten und sein Interesse an der aufregenden Stadt ließen Colin in Berlin bleiben. Seitdem ist er dort zu einem musikalischen Fixpunkt geworden und dank unzähliger Konzerte im Ausland auch in ganz Europa bekannt. Seine Fans lieben seinen natürlichen Charme und seine große, gefühlvolle Stimme.
Im Studio oder auf der Bühne hat er mit vielen Künstlern wie Kool and the Gang, No Angels, Céline Dion, Jocelyn B. Smith und Simply Red zusammengearbeitet und für Film und Werbung aufgenommen. Er trat als einer der Hauptdarsteller in den Berliner Aufführungen des internationalen Musical-Hits „Rent“ auf. Colins erste Single unter eigenem Namen, „Fly“, erschien 1999 und hielt sich 2 Monate in den deutschen Single-Charts.
2005 erschien Colins erstes Album „I’ll Wait“, produziert von Mousse T. für sein Label Peppermint Jam. Die frische Mischung aus Soul & Rock des Albums fängt den musikalischen Geist von Colin ein, eine Mischung aus Musikstilen und Energien, die ihresgleichen sucht.
David Haynes – Drums
Till Sahm – Keys
Max Bahr – Guitar
Ben Jud – Bass
Colin Rich – Vocal
Ania Szarmach – Vocal
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David Haynes – Drums
Till Sahm – Keys
Max Bahr – Guitar
Ben Jud – Bass
Colin Rich – Vocal
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DAVID HAYNES AND FRIENDS «GROOVE NIGHT» “Come out and enjoy our new project dedicated to all the groove nights in the history with David Haynes and Friends Show inviting
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DAVID HAYNES AND FRIENDS
«GROOVE NIGHT»
“Come out and enjoy our new project dedicated to all the groove nights in the history with David Haynes and Friends Show inviting Colin Rich, Ania Szarmach, Till Sahm, Max Bahr, Ben Jud.»
David
David Haynes
Mitte der neunziger Jahre sorgte ein junger Amerikaner auf Drumfestivals und Musikmessen für Furore. Mit einer handlichen Drum Machine bewaffnet, legte David Haynes mit zwei Fingern Grooves aufs Parkett, für die andere ein großes Fusion-Besteck benötigten. Mit atemberaubender Schnelligkeit und beeindruckendem Feel begleitete er auf die-sen kleinen Pads dadurch bereits in jungen Jahren etliche bekannte Szene-Ikonen. Heute ist er nicht nur der Großmei-ster des Fingerdrummings, sondern auch am Drumset zu einem weltweit gefragten Musiker avanciert. Übrigens: David Haynes ist der Schlagzeuger der Till Brönner Band. Er spielte auch u.a. mit Prince, Chaka Khan, Lee Ritenour, Joe Za-winul und viele andere.
Ania Szarmach
Musikerin, Sängerin, Komponistin, Texterin und Produzentin. Sie absolvierte die Gesangsabteilung der Abteilung für Jazz- und Unterhaltungsmusik an der Musikakademie in Katowice. Ihre Stimme ist als Hintergrundstimme in Dutzenden von Schallplatten polnischer Sänger und Musiker zu hören. Parallel dazu ging sie ihren ganz individuellen, eigenständigen musikalischen Weg. Sie veröffentlichte vier Alben – Sharmi (2006), Inna (2010), POZYTYWka (2012), Shades of Love (2016). Sie wurde dreimal zusammen für die Fryderyk Awards (2006, 2010) und zweimal für Super Jedynka (2007) nominiert. 2013 begann Ania ihre künstlerische Zusammenarbeit mit dem amerikanischen Soul- und Jazzmusiker Frank McComb. Daraus entstanden ihre gemeinsamen Konzerte zwischen 2013 und 2016. Die Musik von Ania Szarmach ist eine Kombination aus vielen Stilrichtungen – Soul, Jazz, R’n’B, Clubmusik. An ihren Projekten nahmen exzellente Jazz- und Popmusiker aus Polen und der Welt teil, wie Anna Maria Jopek, Marcin Wasilewski, Adam Bałdych, David „Fingers“ Haynes, Frank McComb uva. Sie spielt ihre Konzerte auch in Polen und im Ausland.
Colin Rich
Wenn man in einer Stadt aufwächst, die mit Musikgrößen wie Elvis Presley, BB King oder Aretha Franklin in Verbindung gebracht wird, in einer Stadt, die die Leute „Geburtsort des Rock’n’Roll“ oder „Heimat des Blues“ nennen, ist es nur natürlich, dass man in jungen Jahren gezwungener Maßen selbst zur Musik hingezogen wird:)
Genauso wie der in Memphis Tennessee geborene Sänger Colin Rich. Die Liebe zur Musik erwischte ihn schon früh in seinem Leben und so verbrachte er viele Stunden seiner Jugend in der Beale Street, der legendären Bluesmeile von Memphis, wo er seine ersten Auftritte in einigen der berühmten Bars und Clubs hatte. Hier entwickelte er seine fantastische, gefühlvolle Stimme und fesselnde Bühnenpersönlichkeit. Anschließend studierte er Musik an der Overton High School of Perfoming Arts und sang in mehreren Chören von Memphis und eröffnete eine Show für Musikstars wie Stevie Wonder.
Seine Reiselust und eine Aufnahmesession in Berlin als Background-Sänger brachten Colin 1993 in die deutsche Hauptstadt. Neue Karrieremöglichkeiten und sein Interesse an der aufregenden Stadt ließen Colin in Berlin bleiben. Seitdem ist er dort zu einem musikalischen Fixpunkt geworden und dank unzähliger Konzerte im Ausland auch in ganz Europa bekannt. Seine Fans lieben seinen natürlichen Charme und seine große, gefühlvolle Stimme.
Im Studio oder auf der Bühne hat er mit vielen Künstlern wie Kool and the Gang, No Angels, Céline Dion, Jocelyn B. Smith und Simply Red zusammengearbeitet und für Film und Werbung aufgenommen. Er trat als einer der Hauptdarsteller in den Berliner Aufführungen des internationalen Musical-Hits „Rent“ auf. Colins erste Single unter eigenem Namen, „Fly“, erschien 1999 und hielt sich 2 Monate in den deutschen Single-Charts.
2005 erschien Colins erstes Album „I’ll Wait“, produziert von Mousse T. für sein Label Peppermint Jam. Die frische Mischung aus Soul & Rock des Albums fängt den musikalischen Geist von Colin ein, eine Mischung aus Musikstilen und Energien, die ihresgleichen sucht.
David Haynes – Drums
Till Sahm – Keys
Max Bahr – Guitar
Ben Jud – Bass
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE FACEBOOK LIVE Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE
FACEBOOK LIVE
Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,
It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams
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Tom Berkmann «Journey» Whirlwind Recordings Album Vinyl Release «Journey» «JOURNEY» ist das Debütalbum des in Berlin lebenden Bassisten TOM BERKMANN als Bandleader. Noch während er im Gymnasium war, nahm Tom
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Tom Berkmann
«Journey»
Whirlwind Recordings Album Vinyl Release «Journey»
«JOURNEY» ist das Debütalbum des in Berlin lebenden Bassisten TOM BERKMANN als Bandleader.
Noch während er im Gymnasium war, nahm Tom Unterricht bei Paulo Cardoso als Jungstudent am Richard-Strauss-Konservatorium in München. Nach dem Abitur zog er nach Berlin, um am Jazz Institut Berlin zu studieren. Er war als DAAD-Stipendiat an der Manhattan School of Music in New York und absolvierte dort ein Master Studium.
Beim Internationalen Kontrabass-Wettbewerb ‘Bass 2010’ in Berlin war er einer der Semifinalisten in der Kategorie Jazz. Als Komponist und Bassist für den Soundtrack von ‘Oh Boy’ erhielt er 2013 den Deutschen Filmpreis für Beste Filmmusik, und im Rahmen der Berlinale den Deutschen Kritikerpreis, ebenfalls für Beste Filmmusik.
Mit der Modern Jazz Band ‘Scopes’ veröffentlichte er bereits zwei Alben ‘Scopes’ und ‘Age of Reason’ als Co-Bandleader. Außerdem ist er regelmäßig mit verschiedenen Bands wie ‘Tobias Meinhart’s Berlin People’ und ‘GANNA’ auf Tour.
«Journey» ist ein musikalischer Reisebericht und führt uns tief in die Welt des Bassisten und Komponisten, in der alle seine Einflüsse zu einem abwechslungsreichen, aber kohärenten Ganzen verschmelzen, in dem singbare Melodien durch tiefe Harmonien untermauert werden und sorgfältig konzipierte Ideen sich frei zu inspirierten Soli einer wunderbar ausbalancierten Band von Mitreisenden entwickeln können.
«Für mich ist Musik etwas für den Zuhörer – ich versuche nicht, eine Botschaft zu vermitteln: Legen Sie einfach die Platte auf, träumen Sie los und machen Sie Ihr eigenes Ding daraus!»
Tom Berkmann
Ben Kraef – Tenorsaxophon
Carl Morgan – Gitarre
Povel Widestrand – Piano
Tom Berkmann – Bass, Compositions
Fabian Rösch – Drums
Fotos ©Jasmin Schuller
Artwork ©Jessica Watts
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Carl Morgan – Gitarre
Povel Widestrand – Piano
Tom Berkmann – Bass, Compositions
Fabian Rösch – Drums
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LOXODON PRISM FEAT: TAL ARDITI & NATHAN OTT Die Musik von Loxodon Prism stellt die Kraft des Moments in den Vordergrund, ohne stilistisch kategorisierbar zu sein. Dabei liegt der Fokus darauf, improvisatorisch eine Durchdringung
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LOXODON PRISM
FEAT: TAL ARDITI & NATHAN OTT
Die Musik von Loxodon Prism stellt die Kraft des Moments in den Vordergrund, ohne stilistisch kategorisierbar zu sein. Dabei liegt der Fokus darauf, improvisatorisch eine Durchdringung von Genregrenzen zu erreichen und die Rollenverteilung von Schlagzeug und Gitarre neu zu denken. An der Schnittstelle von Komposition und Improvisation, zwischen pulsierender Polymetrik und kosmischen Klang-Plateaus, erschließt das Duo ein weit gefächertes musikalisches Spektrum. Elastisch und flexibel navigiert es durch unkonventionell strukturierte Landschaften, ohne an Bodenhaftung zu verlieren.
Dem außergewöhnlich instrumentierten Unternehmen gingen intensive konzeptionelle Überlegungen voraus, die zur Vision einer improvisierten Musik führten, deren Syntax zugänglich ist, und die ein hohes Maß kompositorischer Substanz aufweist. Strukturell improvisierend bewegt sich das Duo im freien musikalischem Raum zwischen verschiedenartigen polymetrischen Bausteinen und rhythmischen Schichtungen und kreiert damit eine surrealistische klangliche Transparenz.
TAL ARDITI – Guitar/Vocal
NATHAN OTT – Drums
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TAL ARDITI – Guitar/Vocal
NATHAN OTT – Drums
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A-TRANE PRESENTS: JULIA HÜLSMANN QUARTETT «CHANGING TO SUMMERTIME» JULIA HÜLSMANN QUARTETT Julia Hülsmann hat mit ihrem Trio seit über 17 Jahren den zeitgenössischen Jazz Deutschalnds geprägt mit seinem essentiellen und herrlich offenen
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A-TRANE PRESENTS:
JULIA HÜLSMANN QUARTETT
«CHANGING TO SUMMERTIME»
JULIA HÜLSMANN QUARTETT
Julia Hülsmann hat mit ihrem Trio seit über 17 Jahren den zeitgenössischen Jazz Deutschalnds geprägt mit seinem essentiellen und herrlich offenen Stil. 2017 erschien das Album « Sooner and Later» (ECM). Für ihr siebtes Album bei ECM hatte die Pianistin eine neue Klangfarbe vor Augen, die Uli Kempendorff am Tenorsaxophon beisteuert. Mit seinem eigenen Formationen eher in der Avantgarde zuhause, verbieten jedoch Kempendorffs offener Geist und seine Neugier jedes Schubladendenken und jede Einordnung. Er ergänzt das Trio mit der kantigen und herben Schönheit seines Ton so gut, dass man meinen könnte, dieses Quartett hat schon immer so bestanden. Julia Hülsmann hat es wieder geschafft, sich gleichzeitig treu zu bleiben und ihren Bandsound auf ein neues Level zu heben. Was für eine freude, Zeuge dieser permanenten Transformation und Weiterentwicklung zu sein.
Hört man das neue Album des Julia Hülsmann Quartetts (VÖ 26.8.2022, ECM), drängt sich vor dem inneren Auge genau dieses Bild auf: vier durch ein starkes Band verbundene Teile, die in ihrer Bewegung dennoch frei und eigenständig sind, ohne aber den großen Zusammenhalt zu verlieren.
Das preisgekrönte Quartett der Pianistin und Komponistin – gleich für das erste Album „Not Far From Here“ gab es 2021 den Deutschen Jazzpreis für das beste Instrumentalalbum (national) – erreicht mit dem Nachfolger „The Next Door“ auch das nächste Level. Schwärmte man schon für den Quartett-Erstling, staunt man nun wie grazil und doch kraftvoll, wie transparent und auch dicht, wie minimalistisch und gleichzeitig komplex und vor allem wie vielfältig in kompositorischer und energetischer Hinsicht so ein Quartettalbum gelingen kann.
Unprätentiös. Das ist das Erste, was auf- und einfällt, wenn man The Next Door in das Abspielgerät seiner Wahl legt. Dann: Organisch. Als müsse hier jeder Ton, jeder Klang, von Natur aus genau so sein, wie er ist. Und: Offen. Denn das ist dieses Quartett, ein um Julia Hülsmann (Klavier), Marc Muellbauer (Bass) und Heinrich Köbberling (Schlagzeug) gewachsenes Trio eigentlich, das seit neunzehn Jahren zusammen spielt und schon immer gern den einen oder anderen Gast zum Mittun eingeladen, aber erst durch Tenorsaxophonist Uli Kempendorff zu einer echten Quartettform gefunden hat.
«Fern jeder Innerlichkeitsduselei erblühen darauf hinreißende Sounds und Tonfolgen in einem magischen Spannungsfeld von schlichter Nüchternheit und trunkenem Schwärmen.»
Rondo
«Sagte Peter von Matt in „Die Lyrik im Verdacht“ der Skandal des Gedichts sei, dass es so schön sein wolle, so gilt das nicht weniger für die musikalischen Lyrik von Julia Hülsmann. Insgesamt: eine sehr konturierte, präzise, vieldeutige Musik. Zu schön, um nicht wahr zu sein.»
Weltwoche, Rüedi
JULIA HÜLSMANN – PIANO
ULI KEMPENDORFF – SAXOPHONE
MARC MUELLBAUER – BASS
HEINRICH KÖBBERLING – DRUMS
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Christoph Titz & Band «Walking The Corner» FEAT: Rolf Langhans-Juan Camillo Villa-Alfonso Garrido Das 4tet von Christoph Titz präsentiert Musik größtenteils von seinem wunderbaren Doppelalbum Album «Walking The Corner»,
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Christoph Titz & Band
«Walking The Corner»
FEAT: Rolf Langhans-Juan Camillo Villa-Alfonso Garrido
Das 4tet von Christoph Titz präsentiert Musik größtenteils von seinem wunderbaren Doppelalbum Album «Walking The Corner», das Ende 2023 erschienen ist.
Gedanken, Stimmungen, Beats, Songs, Improvisationen, die alle inspiriert sind von den teils langen Spaziergängen in der Lockdownzeit, aber durch dieses intensive Bewusstsein aktuell und letztlich für die großartige und gefeierte Spielfreude seiner Band verantwortlich sind. Erfrischend, überraschend, schnell, langsam, schön, manchmal brüchig, virtuos, lässig, melodiös, groovig, originell, unterhaltsam. Das sind einige mögliche Beschreibungen der Musik von Christoph Titz & Band.
Leszek Kulakowski vom Komeda Jazzfestival 2022 in Polen schrieb:
«Das gestrige Konzert von Christoph Titz seiner Band hat uns verzaubert und nahm das Publikum mit auf eine fröhliche, lächelnde, intensive Liebesreise. Sie spielten mit unbändiger Energie, totaler Kraft und mit großer Freude an die Musik. So eine fantastische Band. Der chilenische Schlagzeuger Alfonso Garrido hat mich mit seiner Instrumentalarbeit und Präzision von den Füßen geholt, und ich habe viel Großartiges in meinem Leben gehört. Alfonso – ein absoluter Virtuose, er pulsierte brillant mit dem Rhythmus und unterhielt das Publikum mit dem Klang seiner Instrumente. Leader Chris war in Topform, lächelnd, glücklich. Ich kann persönlich sagen, dass Chris seit vielen Jahren in Polen und die polnischen Menschen verliebt ist. Er ist ein “Slawischer Deutscher” mit einer romantischen Seele. Auch der Keyboarder und der Bassist, großartige Musiker, sprechen mit ihren Instrumenten und ihren Sounds, kommunizieren miteinander. Ein Fest für Körper & Seele. Wer nicht teilgenommen hat, wird es bereuen».
Christoph Titz – Trumpet / Flugelhorn
Rolf Langhans – Keyboards
Juan Camillo Villa – Bass
Alfonso Garrido – Drums / Percussion
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Christoph Titz – Trumpet / Flugelhorn
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Das 4tet von Christoph Titz präsentiert Musik größtenteils von seinem wunderbaren Doppelalbum Album «Walking The Corner», das Ende 2023 erschienen ist.
Gedanken, Stimmungen, Beats, Songs, Improvisationen, die alle inspiriert sind von den teils langen Spaziergängen in der Lockdownzeit, aber durch dieses intensive Bewusstsein aktuell und letztlich für die großartige und gefeierte Spielfreude seiner Band verantwortlich sind. Erfrischend, überraschend, schnell, langsam, schön, manchmal brüchig, virtuos, lässig, melodiös, groovig, originell, unterhaltsam. Das sind einige mögliche Beschreibungen der Musik von Christoph Titz & Band.
Leszek Kulakowski vom Komeda Jazzfestival 2022 in Polen schrieb:
«Das gestrige Konzert von Christoph Titz seiner Band hat uns verzaubert und nahm das Publikum mit auf eine fröhliche, lächelnde, intensive Liebesreise. Sie spielten mit unbändiger Energie, totaler Kraft und mit großer Freude an die Musik. So eine fantastische Band. Der chilenische Schlagzeuger Alfonso Garrido hat mich mit seiner Instrumentalarbeit und Präzision von den Füßen geholt, und ich habe viel Großartiges in meinem Leben gehört. Alfonso – ein absoluter Virtuose, er pulsierte brillant mit dem Rhythmus und unterhielt das Publikum mit dem Klang seiner Instrumente. Leader Chris war in Topform, lächelnd, glücklich. Ich kann persönlich sagen, dass Chris seit vielen Jahren in Polen und die polnischen Menschen verliebt ist. Er ist ein “Slawischer Deutscher” mit einer romantischen Seele. Auch der Keyboarder und der Bassist, großartige Musiker, sprechen mit ihren Instrumenten und ihren Sounds, kommunizieren miteinander. Ein Fest für Körper & Seele. Wer nicht teilgenommen hat, wird es bereuen».
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Sophie Wegener / Paulo Morello & Marc Muellbauer «Minha Alma Canta» Bossa Nova English: The Franco-German singer Sophie Wegener, “Germany’s no.1 Bossa nova artist” according to Die Welt, has dedicated herself entirely
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Sophie Wegener / Paulo Morello & Marc Muellbauer
«Minha Alma Canta»
Bossa Nova
English:
The Franco-German singer Sophie Wegener, “Germany’s no.1 Bossa nova artist” according to Die Welt, has dedicated herself entirely to this genre. The bitter-sweetness, the joyful rhythms paired with melancholy melodies and beautiful lyrics make Bossa nova irresistible to her and she feels a deep love and connection to this music. With an incredible ear for language and a chameleon-like ability to make Brazilian Portuguese her own, she takes you back to the beach front bars of 1960s Rio where Tom Jobim and João Gilberto were regulars. But you might ask: “What is Bossa nova, anyway?” In the words of the immortal Vinícius de Moraes, diplomat and lyric writer extraordinaire, “Bossa nova is the youngest child of traditional samba who had an affair with jazz.”
Sophie is supported by the virtuoso guitarist Paulo Morello who toured with Bossa legends Leny Andrade and Johnny Alf and the versatile Marc Muellbauer on acoustic bass. In fact, the two of them frequently perform together as a duo.
Sophie Wegener’s concerts are an “enchanting journey, and her sweet and casually relaxed voice seduces with a colorful program full of emotions (Jazzthing).” And even if she gets to take center stage as a singer, there is still a lot of room for her musicians on guitar and acoustic bass to delight the audience with numerous solos.
Deutsch:
Die deutsch-französische Sängerin Sophie Wegener hat sich ganz dem Bossa nova verschrieben, der Musik, die in den späten 1950er Jahren in Brasilien ‘erfunden’ wurde. Nachdem sie mit ihrer Band Zona Sul drei Alben veröffentlichte (“Pure love – Um amor tão puro”, “Beira” und “Tem mais samba”) und weltweit in Jazzclubs auftrat, geht sie begleitet von Gitarre und Bass neue Wege und entscheidet sich für einen noch intimeren Sound. Dabei verzaubert sie die Zuhörer mit großen Gefühlen und heiter entspannten bis bittersüßen Kompositionen von Tom Jobim, Caetano Veloso oder Baden-Powell.
Mit Paulo Morello an der Gitarre und Marc Muellbauer am Kontrabass stehen ihr nicht nur erstklassige Begleiter zur Seite – es ist ein besonderes Erlebnis das Zusammenspiel dieser beiden Virtuosen zu erleben. Und auch wenn Sophie Wegener als Sängerin im Mittelpunkt steht, bleibt immer genug Raum für ihre Musiker die Zuhörer mit zahlreichen Soli zu begeistern.
«Musik, die alle Sinne umschmeichelt. Traumhaft.»
Süddeutsche Zeitung
«Deutschlands Bossa-Nova-Interpretin Nummer eins.»
Die Welt
Mit Marc Muellbauer und Paulo Morello treffen zwei Meister ihres Faches zusammen.
Paulo Morello gilt als einer der interessantesten Jazzgitarristen Europas. Zusammen mit der Grammy-Gewinnerin Leny Andrade oder dem Bossa Nova-Urvater Johnny Alf gastierte Morello auf den bedeutendsten Europäischen und Südamerikanischen Jazz Festivals. Seine Feuertaufe in Sachen Hammond-Trio bestand er als Sideman des legendären Jimmy Smith, den er auf dessen letzter Europa-Tournee begleitete. Darüber hinaus arbeitete er mit Randy Brecker, Bob Mintzer, Paul Kuhn, Ivan Lins, Pat Martino, Airto Moreira, Ulf Wakenius, Philip Catherine und Larry Coryell zusammen. “Paulo Morellos Gitarre klingt, als hätte es George Benson nach Rio de Janeiro verschlagen“, so die AZ München. Seit 2020 lehrt Morello als Professor für Gitarre am Jazz Institut Berlin.
Marc Muellbauer, in London geboren und in Berlin lebend, arbeitet als Bassist, Komponist und Bandleader. Als Mitglied des Julia Hülsmann Quartet hat er mit Not Far From Here 2019 seine siebte CD für das Münchener Label ECM aufgenommen. Neben dem Quartett, und dem Julia Hülsmann Trio, komponiert und arrangiert er für seine neunköpfige Band Marc Muellbauer’s Kaleidoscope und das Wood and Steel Trio. Er arbeitet in so unterschiedlichen musikalischen Umfeldern wie dem Lisbeth Quartett, in elektronischer Musik mit Moritz v. Oswald, im Studio an Filmmusik, mit Singer-Songwritern und in der Neuen Musik.
Sophie Wegener – Vocals
Paulo Morello – Guitar
Marc Muellbauer – Acoustic Bass
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Sophie Wegener – Vocals
Paulo Morello – Guitar
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WIR SIND WIEDER GEÖFFNET
WE ARE OPEN AGAIN
WIR FREUEN UNS, DASS WIR ENDLICH MIT UNSEREN LIVE KONZERTEN LOSLEGEN KÖNNEN.
Das Programm und das der heutigen Zeit angepasste Hygienekonzept mit all den Maßnahmen steht und wir sind bereit dafür.
WE ARE LOOKING FORWARD TO FINALLY BEING ABLE TO GET STARTED WITH OUR LIVE CONCERTS.
The program and the hygiene concept adapted to the present situation with all the restrictions is in place and we are ready for it.
JAZZ BOOK PUBLICATIONS
THE MAKING OF CHET BAKER SINGS
BOOK & AUDIO CD
SIGGI LOCH
A LIFE IN THE SPIRIT OF JAZZ
ACT-MUSIC
Restaurant pascarella
ÖFFNUNGSZEITEN
MONTAG – SONNTAG
12:00 UHR – 01:00 UHR
SCHLÜTERSTR. 69 ECKE PESTALOZZISTRASSE
10625 BERLIN
NUR 50 METER ENTFERNT VOM A-TRANE
info@pascarella.de
Web: pascarella.de
Tel.: +49 30 32764641
Konzertdetails
DOMINIC MILLER ECM RECORDS NEW ALBUM «VAGABOND» ON TOUR 2024 Dominic Miller, wider known as Sting’s trusty side-kick guitarist, is also a very successful solo artist having released 12 albums under
Konzertdetails
DOMINIC MILLER
ECM RECORDS NEW ALBUM «VAGABOND»
ON TOUR 2024
Dominic Miller, wider known as Sting’s trusty side-kick guitarist, is also a very successful solo artist having released 12 albums under his own name.
Bandleader Miller enjoys an enviable reputation both in the professional world of music and amongst music fans everywhere.
Born in Buenos Aires to an American father and a Irish mother he studied guitar at Boston’s prestigious Berklee College and the London Guildhall School of Music. He’s been a sought after session musician since the late 80s and his list of engagements defy categorisation but includes collaborations with Phil Collins, The Chieftains, Eddi Reader, Katie Melua, Bryan Adams, Paul Young, Nigel Kennedy, Peter Gabriel, and Tina Turner, to name a few.
Dominic Miller has been involved in every Sting album since the 1991 album “The Soul Cages” and performed over a thousand concerts with the former “Police” singer as well as co-written hit songs such as “Shape Of My Heart” and “La Belle Dame Sans Regrets”.
Now with his new album “Vagabond” he will be adding another highlight to his solo discography. Recorded at studio “La Buissonne” in the South of France with world- class musicians – Ziv Ravitz on drums, Nicolas Fiszman on bass and Jacob Karlzon on piano, he has crafted a fascinating sound mixture of Jazz, Pop, Acoustic Folk, Contemporary Classical and Latin elements. “Vagabond” combines all those styles producing something entirely new. An appropriate genre term for such a symbiosis doesn’t yet exist but we feel it soon will.
Dominic Miller will be touring this fascinating line-up in 2024.
Dominic Miller – Guitar
Ziv Ravitz – Drums
Nicolas Fiszman – Bass
Jason Rebello– Piano
Foto©Christoph Bombart
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MUSIKER
Dominic Miller – Guitar
Ziv Ravitz – Drums
Nicolas Fiszman – Bass
Jason Rebello– Piano
AUSVERKAUFT/SOLD OUT
AUSVERKAUFT – SOLD OUT
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Born in Buenos Aires to an American father and a Irish mother he studied guitar at Boston’s prestigious Berklee College and the London Guildhall School of Music. He’s been a sought after session musician since the late 80s and his list of engagements defy categorisation but includes collaborations with Phil Collins, The Chieftains, Eddi Reader, Katie Melua, Bryan Adams, Paul Young, Nigel Kennedy, Peter Gabriel, and Tina Turner, to name a few.
Dominic Miller has been involved in every Sting album since the 1991 album “The Soul Cages” and performed over a thousand concerts with the former “Police” singer as well as co-written hit songs such as “Shape Of My Heart” and “La Belle Dame Sans Regrets”.
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Wulff/Paravicini/Coburger Trio In neue, phantastische Sphären abtauchen, das tun Musiker*innen und Zuhörer*innen des Ensembles Phenomena gleichermaßen. Friedrich Paravicini am Ondes Martenot (einem dem Theremin verwandten Instrument aus der Frühgeschichte der elektronischen
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Wulff/Paravicini/Coburger
Trio
In neue, phantastische Sphären abtauchen, das tun Musiker*innen und Zuhörer*innen des Ensembles Phenomena gleichermaßen.
Friedrich Paravicini am Ondes Martenot (einem dem Theremin verwandten Instrument aus der Frühgeschichte der elektronischen Musik) und Cello, Gabriel Coburger an Saxophon, Bassklarinette und Flöte, und Lisa Wulff am Kontrabass und Sopranbass laden ein in eine Klangwelt zwischen Filmmusik und Freejazz – melodiös, mystisch, energiegeladen und voller Überraschungen.
Kompositorische Fragmente, die immer wieder neu gemischt und zusammengesetzt werden, Neuartige Klangkollagen, die sich in vertraute Klänge auflösen, oder in weltraumartigen Sphären verlieren.
Friedrich Paravicini – Ondes Martenot / Cello
Gabriel Coburger – Saxophon / Bassklarinette / Flöte
Lisa Wulff – Kontrabass / Sopranbass
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Friedrich Paravicini – Ondes Martenot / Cello
Gabriel Coburger – Saxophon / Bassklarinette / Flöte
Lisa Wulff – Kontrabass / Sopranbass
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Karolina Strassmayer & Drori Mondlak – KLARO! CD Release «Speak Your Truth» FEAT: DAVID FRIEDMAN & OLIVER POTRATZ «To speak your truth is to connect with true feelings and
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Karolina Strassmayer & Drori Mondlak – KLARO!
CD Release «Speak Your Truth»
FEAT: DAVID FRIEDMAN & OLIVER POTRATZ
«To speak your truth is to connect with true feelings and expressing them in the purest way possible. Our mission is the creation of spontaneous, raw beauty, lyricism and melody, while being in the moment».
KLARO! verbindet die Lyrik der europäischen Klassik und Folklore mit der rhythmischen Kraft des amerikanischen Jazz und der harmonischen Raffinesse der zeitgenössischen Musik. Der musikalische Bogen spannt sich von kraftvoll, spritzigen Grooves zu poetischen Balladen und explosivem Swing. Egal in welchem Genre sich die Musiker von KLARO! bewegen, ihre Musik ist stets voller Passion, Neugier und Lebenslust.
Von den Lesern des amerikanischen Jazzmagazins Downbeat wurde die Ausnahmemusikerin Karolina Strassmayer mehrmals unter die weltweit fünf besten Altsaxophonisten gewählt. Sie erspielte sich eine ausgezeichnete Reputation in der New Yorker Jazzszene und ist seit 2004 die erste Frau in der mit mehreren Grammys ausgezeichneten WDR Big Band Köln.
Drori Mondlak ist einer der herausragenden Jazz-Schlagzeuger und Bandleader. Seine eklektische Arbeit in mehr als zwanzig Jahren in New York haben Mondlak mit Jazzgrößen wie Frank Foster, Joe Williams, Chris Potter und Ernestine Anderson zusammengeführt. Mondlak ist auch in der europäischen Jazzszene angekommen und spielte mit Lee Konitz, Sonny Fortune, Barbara Dennerlein, David Friedman, Lynne Arriale und Nicolas Simion.
«A drummer of extreme subtlety and melodic refinement that reminds me of Roy Haynes in his best moments.»
Arnaldo Desouterio
David Friedman ist einer der einflussreichsten Vibraphonisten, Komponisten und Jazzpädagogen. Er spielte mit Leonard Bernstein, Bobby McFerrin, Wayne Shorter, Joe Henderson, Horace Silver, Ron Carter u. v. a. In 2007 wurde er mit einem Lifetime Achievement Award ausgezeichnet. David Friedman ist ein Meister des Vibraphons und ein Musiker mit Herz und Seele.
Der amerikanische Bassist und Bandleader Josh Ginsburg spielte mit Kurt Rosenwinkel, Greg Osby, Mulgrew Miller u. v. a. Seine aktuelle CD wurde von New York City Jazz zum Album des Jahres gekürt und sein Spiel beschreibt die Jazzpresse als “vigorously fresh” und “a rock of counterpoint, funk and swing.”
Gemeinsam präsentieren die vier unbändigen Klangmaler Strassmayers neue Kompositionen und Improvisationen, stets geprägt von lyrischer Schönheit, nahezu telepathischer Kommunikation und rhythmischem Drive.
«This international group’s blend of consistent quality and adventurousness give it staying power. One of the most interesting alto saxophonists of her generation, Strassmayer has absorbed, internalized and personalized what John Coltrane gave to jazz and often evokes him purely on the power of her tone and inflection»
Doug Ramsey – Rifftides, Arts Journal
Karolina Strassmayer – Altsaxophon, Flöte, Altflöte
Drori Mondlak – Schalgzeug
David Friedman – Vibraphon
Oliver Potratz – Kontrabass
Foto Karolina/Drori© Elmar Petzold
Foto Karolina© Helge Strauss
Foto Drori© Andre Syman
Foto David© Gerhard Richter
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Karolina Strassmayer – Altsaxophon, Flöte, Altflöte
Drori Mondlak – Schalgzeug
David Friedman – Vibraphon
Josh Ginsburg – Kontrabass
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MIKE RUSSELL «FUNKY SOUL KITCHEN» FEAT: SIR CHARLES WILLIAMSON-DICARLO-LIONEL HAAS Mike Russell wurde 1952 in Washington D.C. geboren und begann schon früh, klassische und Flamenco-Gitarre zu lernen. Seine professionelle Karriere begann in den 60er
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MIKE RUSSELL
«FUNKY SOUL KITCHEN»
FEAT: SIR CHARLES WILLIAMSON-DICARLO-LIONEL HAAS
Mike Russell wurde 1952 in Washington D.C. geboren und begann schon früh, klassische und Flamenco-Gitarre zu lernen. Seine professionelle Karriere begann in den 60er Jahren mit Soul- und Bluesbands.
Schon früh interessierte er sich für das Schreiben und Komponieren von Songs, und diese kreative Seite führte zu einigen Studioarbeiten bei Columbia Records als Gitarrist und Komponist.
Das Jahr 1970 war seine erste Plattenveröffentlichung als Komponist und der Titel „Black Woman“ wurde von der für einen Grammy nominierten Gloria Taylor aufgenommen und gipfelte in einer US-Tournee.
Im Jahr 1972 trat seine eigene Jazz-Rock-Gruppe „Water Forest“ mit Andy Warhol im Kennedy Center in Washington D.C. auf.
Seit seinem Umzug nach Berlin im Jahr 1989 ist er mit Eddy Harris, Billy Bang und vielen anderen aufgetreten. Zusammen mit der Sängerin MFA KERA gründete er das Black Heritage Orchestra und veröffentlichte 1995 eine CD, die die Top 10 der europäischen Weltmusikcharts erreichte. Er hat auch seinen eigenen Jazz-Soul-Funk-Sound entwickelt.
Er trat im deutschen Fernsehen, beim Guinness Festival in Südafrika, Griechenland, Polen und Amerika auf und kehrte nach Washington D.C. zurück, um mit Mfa Kera & Black Heritage im weltberühmten Blues Alley Jazz Club und im Smithsonian Center aufzutreten. Außerdem wurde er eingeladen, spezielle Workshops an der Jazzabteilung der George Washington University zu geben.
Vor kurzem war er in Polen und der Ukraine auf Tournee, wo er Tausende von Fans zählt. Mehr wird kommen. Weitere Informationen finden Sie auf Mike Russells Website.
Mike Russel – Guitar/Vocal
Charles Sammons – Bass
DiCarlo – Drums
Lionel Haas – Keys
Fotos©Gudrun Arndt
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DiCarlo – Drums
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DESNEY BAILEY’S THREE 4 SOUL “A BAND OF SOUL WITH A TWIST” If you’re a fan of soulful music, then you’re in for a real treat. Prepare to be
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DESNEY BAILEY’S
THREE 4 SOUL
“A BAND OF SOUL WITH A TWIST”
If you’re a fan of soulful music, then you’re in for a real treat. Prepare to be swept away by the mesmerizing sounds of Three 4 Soul, a group that brings together the talents of vocalist Desney Bailey and four incredible musicians. Together, they have crafted a unique blend of vintage jazz harmonies and modern neo-soul grooves, creating a luxurious and soulful vibe that will leave you wanting more.
First, let’s take a closer look at the talented individuals, that make up Three 4 Soul.
Lead vocalist Desney Bailey has a voice, that can only be described as pure magic.
With a rich and soulful tone, she effortlessly captures the essence of classic soul music while infusing it with her own modern flair. Her vocals have been compared to the likes of Erykah Badu and Jill Scott, and for good reason, she is a powerhouse vocalist, who knows, how to captivate an audience.
But Desney is not alone in this musical journey. She is backed by four incredibly talented musicians, who bring their own unique styles to the table. Together, they create a sound that is both timeless and fresh.
So go ahead and indulge in their luxurious jazzy soulful vibe. Your soul will thank you!
Desney Bailey – Vocal
Carly Quiroz – Keyboard
Carmelo Leotta – Bass
Jean Ghazal – Saxophon
Jan Trojanowski – Drummer
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Desney Bailey – Vocal
Carly Quiroz – Keyboard
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE FACEBOOK LIVE Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS
EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE
FACEBOOK LIVE
Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,
It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams
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TONBRUKET «LIGHT WOOD & DARK STRINGS» SMUGGLER RECORDING ALBUM RELEASE CONCERT FEAT: DAN BERGLUND-MARTIN HEDEROS-JOHAN LINDSTRÖM-ANDREAS WERLIIN Deutsch Der Ausdruck, dass das Kollektiv größer ist als die Summe seiner
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TONBRUKET
«LIGHT WOOD & DARK STRINGS»
SMUGGLER RECORDING ALBUM RELEASE CONCERT
FEAT: DAN BERGLUND-MARTIN HEDEROS-JOHAN LINDSTRÖM-ANDREAS WERLIIN
Deutsch
Der Ausdruck, dass das Kollektiv größer ist als die Summe seiner einzelnen Teile, passt perfekt zur Beschreibung von Tonbruket. Die Musikalität der Bandmitglieder ist bereits auf einem hohen Niveau. In der Begegnung miteinander entsteht etwas Größeres. Sie erschaffen eine eigene Klangwelt, die sich über alle Genredefinitionen hinwegsetzt. Die Musik ist am einfachsten und lässt sich am besten mit „Tonbruket“ beschreiben.
Tonbruket kehrt mit neuen grenzüberschreitenden und bezaubernden Klängen zurück. Auf ihrem neuen Album „Light Wood, Dark Strings“, das am 13. Oktober erschienen ist, beschäftigen sie sich mit dem, was man als akuten Realismus bezeichnen kann.
Mitglieder von Tonbruket sind Dan Berglund am Bass (E.S.T., Rymden), Martin Hederos an Tasten und Violine (The Soundtrack of Our Lives, Hederosgruppen), Johan Lindström an Gitarre und Pedal Steel (Johan Lindström Septett, Rebecka Törnqvist, Elvis Costello) und Andreas Werliin am Schlagzeug (Wildbirds & Peacedrums, Fire!). Tonbruket hat mehrfach mit Ane Brun zusammen gespielt, sowohl auf Platten als auch auf der Bühne.
Sie veröffentlichten ihr Debütalbum 2010 und wurden für ihre Veröffentlichungen mit mehreren schwedischen Grammies ausgezeichnet. Tonbruket hat auch Theatermusik für einige Theaterstücke geschrieben, die im Königlichen Dramatischen Theater in Stockholm aufgeführt wurden.
English
The expression that the collective is bigger than the sum of its individual parts fits perfectly to describe Tonbruket. The musicality of the band members is already on a high level in their own right. In the meeting with each other something bigger appears. They create a sound world of their own that defies all genre definitions. The music is easiest and best described only as, Tonbruket.
Tonbruket returns with new cross-border and enchanting sounds. On their new album “Light Wood, Dark Strings”, released on October 13th, they deal with what can be described as acute realism.
Tonbrukets members are Dan Berglund on bass (E.S.T., Rymden), Martin Hederos on keys and violin (The Soundtrack of Our Lives, Hederosgruppen), Johan Lindström on guitar and pedal steel (Johan Lindström Septett, Rebecka Törnqvist, Elvis Costello) and Andreas Werliin on drums (Wildbirds & Peacedrums, Fire!). On several occasions Tonbruket have played together with Ane Brun, both on record and on stage.
They released their debut album 2010 and have been awarded several Swedish Grammies for their releases. Tonbruket have also written theater music for a couple of plays staged at the Royal Dramatic Theater in Stockholm.
Dan Berglund – Bass
Martin Hederos – Tasten / Violine
Johan Lindström – Gitarre / Pedal Steel
Andreas Werliin – Schlagzeug
Foto©Valter Nilsson
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Dan Berglund – Bass
Martin Hederos – Tasten / Violine
Johan Lindström – Gitarre / Pedal Steel
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Vincent Meissner Trio «WILLE» ACT CD/VINYL RELEASE CONCERT «Eine neue Hoffnung des deutschen Jazz», erkannte mdr kultur, was der Deutschlandfunk noch steigerte: „eine Band, die abheben wird wie eine Rakete.“
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Vincent Meissner Trio
«WILLE»
ACT CD/VINYL RELEASE CONCERT
«Eine neue Hoffnung des deutschen Jazz», erkannte mdr kultur, was der Deutschlandfunk noch steigerte: „eine Band, die abheben wird wie eine Rakete.“ Der amerikanische Downbeat hörte „Spannung und Begeisterung“ in Vincent Meissners von seinem Mentor Michael Wollny produzierten Debütalbum „Bewegtes Feld“ aus dem Jahr 2021. Gerade mal zwanzig war da der Pianist und schon ordentlich mit Preisen dekoriert. Viel Lob! Dabei hatte sein junges akustisches Pianotrio mit Bassist Josef Zeimetz und Schlagzeuger Henri Reichmann bis dahin coronabedingt kaum Gelegenheit, das reichhaltige und durchweg vom Bandleader komponierte Material live vor- zustellen und zu entwickeln.
Das hat sich mittlerweile geändert, was den Spaß an der Sache noch gesteigert hat. Man hört es diesem neuen Album an, wie dieses Trio enger zusammengerückt ist und seine Spielfreude gesteigert hat. Sofort nach den ersten Auf- nahmen haben sie neue Stücke ausprobiert, Ideen getestet und wie in einem fließenden Übergang weitergemacht. Nach dem Spiel war vor dem Spiel … Josef studiert jetzt in Basel, Henri ist nach Leipzig gezogen, um an der Hochschule für Theater und Musik Felix Mendelssohn Bartholdy weiter zu studieren, wo Vincents Lehrer im Hauptfach Klavier nun Frank Chastenier ist. Seine beiden Mentoren Wollny und Chastenier nennen Vincent „eine Supercombi“.
Die Band hat ihr Interplay entwickelt, geht die Stücke nun freier an. Durch offenere Passagen hat sich der Sound geändert. Emotionaler agieren sie und lieben komplexere Formen, in denen sie mit Strukturen spielen und Ideen fortführen, die sie teilen. So ist ein kompakter Bandsound entstanden, den sie flexibel laufen lassen können und zu soghaften songhaften Stücken verdichten. Energie und Wucht sind da, aber auch Kontemplation und Innehalt. Alles ist möglich mittlerweile. Variabel, quirlig und eng verzahnt schreitet das voran, wobei sie den Fokus für dieses Album scharfgestellt haben für liedhaft melodiöse Songs.
«Wille» heißt das in treibendem Fluss durchperlende Album, dessen innere Logik besticht mit einem inneren Zusammenhalt, der beweglich, frisch und agil Authentizität transportiert. Diese drei wissen genau, dass sie viel miteinander erreichen können, wobei sie ein hoher Sympathiebonus begleitet und ihre Souveränität anfeuert. Ziel ist dabei eine markante Eingängigkeit jenseits des Banalen.
Den titelgebenden Willen dabei definiert Vincent als das „Entwickeln von gedanklichen Vorstellungen, die man durch Handeln in die Realität überträgt“, oder als „bewusste Entscheidung für eine Handlung“. Da ist schlicht der Wille zu spielen und seinen Ausdruck zu finden, sich durch künstlerisches Arbeiten zu bekennen. Dieser Tatendrang gibt der Einspielung seine Dringlichkeit und Überzeugungskraft.
Vincent Meissner – Piano
Josef Zeimetz – Bass
Henri Reichmann – Drums
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Vincent Meissner – Piano
Josef Zeimetz – Bass
Henri Reichmann – Drums
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2024do11apr20:3020:30 A-TRANE PRÄSENTIERT:
ESPEN BERG TRIOLive Concert |Live Concert,modern jazz
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ESPEN BERG TRIO Espen Berg Trio is an award-winning piano trio from Norway. Outselling concert halls all over the world, the trio referred to as one of the best trios in existence today by Jazz Journal has
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ESPEN BERG TRIO
Espen Berg Trio is an award-winning piano trio from Norway. Outselling concert halls all over the world, the trio referred to as one of the best trios in existence today by Jazz Journal has already made a mark outside their home country. Their music might be reminiscent of Brad Mehldau, Keith Jarrett, Shai Maestro or Tigran Hamasyan, but above all it’s a personal addition to the legacy of the piano trio and to the evolution of the Nordic jazzscene, featuring a compelling combination of strong melodies and complex rhythmics, immense technical abilities and a highly engaging interplay.
«Big in Japan but yet to really dominate Europe, EBT are one of the better piano-led trios to pick up that heavy baton relinquished by the late Esbjörn Svensson.»
Jazz Journal
Espen Berg Trio has been touring in Europe and Japan frequently, releasing four albums on the Japanese label Blue Gleam. In 2019, the trio made a solid impression on the jazz industry gathered at jazzahead! in Bremen, resulting in a tour in India and gigs at the most profiled clubs in Europe like Ronnie Scotts, Fasching and Unterfahrt. Their third album, Free to Play, was listed in Downbeat as one of the best releases in 2019, and as of spring 2024, EBT’s fifth album is in the making.
Espen Berg was declared a true master of the piano by All About Jazz when releasing his debut album Noctilucent, in 2012. His third album The Trondheim Concert (2022), all improvised and live-recorded, was featured in many of Europe’s leading jazz magazines, and described as one of the finest improvised solo piano performances from the last decade or so by UK Vibe. Espen was awarded Norway’s largest jazz scholarship at Molde Int’l Jazz Festival in 2016, resulting in a commissioned work for the Trondheim Jazz Orchestra. He is also known for his collaboration with Silje Nergaard, Hildegunn Øiseth Quartet, A Tonic For The Troops, Seamus Blake, Daniel Herskedal, Marius Neset, among many others. In 2023 he was appointed to official Steinway Artist and premiered his latest commissioned work, Water Fabric, which was written for Trondheim Jazz Festival, Oslo Jazz Festival and Maijazz in Stavanger.
Espen Berg – Piano and Compositions
Bárður Reinert Poulsen – Bass
Simon Albertsen – Drums
Fotos©leiknyhavikskjaerseth
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Espen Berg – Piano and Compositions
Bárður Reinert Poulsen – Bass
Simon Albertsen – Drums
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Aki Takase & Alexander von Schlippenbach Wer den fulminanten Auftritt von Aki Takase und Alexander von Schlippenbach beim Berliner Jazzfest verpasst hat, sollte die Gelegenheit nutzen und das Duo mit ihrem
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Aki Takase & Alexander von Schlippenbach
Wer den fulminanten Auftritt von Aki Takase und Alexander von Schlippenbach beim Berliner Jazzfest verpasst hat, sollte die Gelegenheit nutzen und das Duo mit ihrem neuen Programm zu erleben. Die gilt natürlich auch für all diejenigen, die das Konzert bereits gesehen haben und denen das eine Mal zu wenig war.
Zwei der legendärsten Musikergestalten gemeinsam am Flügel, das sieht und hört man nicht allzu häufig. Umso größer die Freude, die Beiden im intimen Rahmen des A-Tranes zu erleben, der ein oder anderen neuen Komposition nachzuspüren und sich an einem Tribut an Carla Bley zu ergötzen.
Und ansonsten:
Müssen wir noch die grandiosen Stationen dieser Persönlichkeiten anvollziehen? Wer Aki Takase und Alexander von Schlippenbach nicht kennt, sollte dringendst das ein oder andere Lexikon der Musikgeschichte oder ganz einfach Google konsultieren:)!
Aki Takase – Piano
Alexander von Schlippenbach – Piano
Foto©Dirk Bleicker
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Aki Takase – Piano
Alexander von Schlippenbach – Piano
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE FACEBOOK LIVE Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die
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Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,
It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams
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ROTEM SIVAN «New York-->Berlin Affair» FEAT: HAMISH SMITH & MIGUEL RUSSELL Rotem Sivan’s guitar skills are heralded across the globe. The New York Times has praised him as “more than a
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Rotem Sivan’s guitar skills are heralded across the globe. The New York Times has praised him as “more than a very good young guitar player.” Downbeat Magazine has called him “a remarkable talent.”
Rotem completed his studies in both classical composition and jazz performance with honors in Tel Aviv University and at The New School in NYC. Rotem tours with his band most of the year playing in world- renowned festivals and clubs. He has performed in countries such as France, Italy, Spain, Germany, Austria, Belgium, Poland, Slovenia, Mexico, Chile, Costa Rica, Puerto Rico, Israel, UK, Canada and India among others, and has given workshops around the world in top universities and schools.
He has performed at many clubs and festivals around the world such as Polanco Festival, Chutzpah Festival, Marseille Festival, Nice Festival, Exposure Festival, Montreux Festival, Utopia Music Festival, Bern Festival, Ottawa Festival and Sonora Jazz Festival to name a few.
Rotem has developed a strong online presence with over 65k followers on Instagram and 135K on YouTube.
“The gifted guitarist combines energy, ideas and undeniable chops..A remarkable talent and a welcome new voice on the scene.”
DownBeat
“He lets you hear the innate sound of his instrument, using classic jazz-guitar tone with dynamics and a searching quality to his improvising.. He attains a kind of private language.. It’s the kind of thing that makes you listen harder.”
New York Times, Ben Ratliff
«Rotem Sivan is, with no doubt, the next guitarist of our times. He is a leader and a listener.»
Peter Bernstein
“I am confident in Sivan’s unique abilities to transform the jazz guitar world.”
Ari Hoenig
“His style and sound bring a fresh flair and a remarkable sophistication to jazz, which transcends audiences”
Jazz Times Magazine
“Israeli guitarist Rotem Sivan has been taking the NYC club scene by storm”
Jazz Inside Magazine
“Not only is Rotem Sivan a master of jazz guitar, he is a true artist”
Just Jazz Guitar
“Rotem Sivan has carved a place for himself in the New York jazz scene through his daring improvisation, astute band leading and technical ability but above all his lyricism and musicality.
“Antidote” is a smartly crafted combination of all these qualities in a beautiful package. The album never gets boring as the trio keeps moving throughout a wide variety of moods and soundscapes with musicality always being the prevalent force. Rotem has been one of the guitar players to watch for sometime now. This album establishes him as a force on the scene.»
Antonio Sanchez
“When a statement is achieved with such precision, what’s captured attains an importance that shall last. Antidote is a special recording, and it shall fulfill many guitar aficionados without question».
Pat Martino
Rotem Sivan – Guitar
Hamish Smith – Bass
Miguel Russell – Drums
Foto©Dani Barbieri
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JUDY NIEMACK „SPRINGTIME” FEAT: GWILYM SIMCOCK Special Guest: Kurt Rosenwinkel Springtime means renewal and growth, rejuvenation and new life. Experience an enchanting fusion of pop and jazz as Judy Niemack debuts a
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JUDY NIEMACK
„SPRINGTIME”
FEAT: GWILYM SIMCOCK
Special Guest: Kurt Rosenwinkel
Springtime means renewal and growth, rejuvenation and new life. Experience an enchanting fusion of pop and jazz as Judy Niemack debuts a new sound featuring pianist Gwilym Simcock “One of the most exceptional musicians I have ever know.” Pat Metheny
With her velvety vocals and dynamic stage presence, Niemack effortlessly navigates between the worlds of pop and jazz, creating a mesmerizing musical journey for the audience. Her interpretations breathe new life into familiar pop classics by Joni Mitchell, Pat Metheny, Carole King and Sting, infusing them with the sophisticated improvisation and rhythmic nuances characteristic of jazz, while her delivery of jazz classics is second nature.
“You need have no reservations about Judy Niemack, a veteran of the New York club scene who epitomizes the term “jazz singer”. Niemack’s irrepresible swing, savvy scatting and dead-on intonation allow her to improvise solos that seem more horn than voice. Her way with a lyric will warm the hearts of both romantics and musical adventurers.“
NYTimes
A consummate performer, Niemack’s ability to connect with the audience transcends genres, delivering a concert experience that celebrates the best of both pop and jazz worlds.
Judy Niemack – Vocals
Gwilym Simcock – Piano
Nik Lukassen – Bass
Roland Schneider – Drums
Special Guest: Kurt Rosenwinkel
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Judy Niemack – Vocals
Gwilym Simcock – Piano
Nik Lukassen – Bass
Roland Schneider – Drums
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Springtime means renewal and growth, rejuvenation and new life. Experience an enchanting fusion of pop and jazz as Judy Niemack debuts a new sound featuring pianist Gwilym Simcock “One of the most exceptional musicians I have ever know.” Pat Metheny
With her velvety vocals and dynamic stage presence, Niemack effortlessly navigates between the worlds of pop and jazz, creating a mesmerizing musical journey for the audience. Her interpretations breathe new life into familiar pop classics by Joni Mitchell, Pat Metheny, Carole King and Sting, infusing them with the sophisticated improvisation and rhythmic nuances characteristic of jazz, while her delivery of jazz classics is second nature.
“You need have no reservations about Judy Niemack, a veteran of the New York club scene who epitomizes the term “jazz singer”. Niemack’s irrepresible swing, savvy scatting and dead-on intonation allow her to improvise solos that seem more horn than voice. Her way with a lyric will warm the hearts of both romantics and musical adventurers.“
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JOURNEY TO THE SOURCE FEAT: Fuasi Abdul-Khaliq-Rolf Zielke-Maximilian Hughes-Kenny Martin “Journey to The Source” is a jazz quartet, which has been performing in and around Germany, Poland, Spain, Switzerland, Portugal, and France since its
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JOURNEY TO THE SOURCE
FEAT: Fuasi Abdul-Khaliq-Rolf Zielke-Maximilian Hughes-Kenny Martin
“Journey to The Source” is a jazz quartet, which has been performing in and around Germany, Poland, Spain, Switzerland, Portugal, and France since its founding in 1995.
Together JTTS have created a unique sound, which is identifiable from the first notes they play. Their music comes from the influences of “Blues”, “Hard Bop”, “Far Eastern”, “Oriental”, “African” and “Funk” which creates a sound full of spirit, depth, and energy. They have recorded and produced several CDs over the course of their 25 year tenure together which includes “Fuasi & Ensemble”, “Fuasimodo Rings A Bell“, “Fuasi & Ensemble Live at Café Central in Madrid Spain” and “The Afro-Cubano Latin Jazz Connection”, which were all live recorded concerts. They just released their latest recording production self-named “Journey To The Source”. This will be the 2nd studio production following their last studio production named “The Abakuá”.
Fuasi Abdul-Khaliq – saxophone, clarinet, flute. Fuasi began performing professionally in 1972 with the late great African-American pianist, Horace Tapscott and his institution called, “UGMAA” (Union of God’s Musicians and Artist Ascension) in Los Angeles, California. This led to a lifetime relationship with Tapscott’s Pan-African People’s Arkestra (“PAPA”). During the last 30 years abroad in Germany he as toured throughout Europe, Asia, Africa, the South Pacific as well as South and Central America. He is a leader of his own ensembles which include, “Fuasi and Ensemble”, “The Ebony Big Band”, “Fuasi’s Latin Jazz Connection”, the “Horace Tapscott Tribute Ensemble”, “Fumatikelo”, and “The Jazz Crusaders Tribute Project & Beyond”. He has shared the stage with such greats as Walter Bishop Jr., Jimmy Garrison, Sam Rivers, Benny Golson, Hal Singer, Rudy Stevenson, Ed Blackwell, Arthur Blythe, Joe Bowie, Sugar Blue, Abdu Salim, Omar Sosa, and Winard Harper to name a few.
Rolf Zielke – piano. He comes from Hameln, Germany where he performed and worked with Charlie Mariano, Mike Stern and David Friedman, to name a few. He is also currently a teacher at the “Jazz Institute Berlin”, the “Hanna Eisler School of Music” and the “University of the Arts (UdK). He is a published author of “Global Groove:”: A Complete Guide to Playing in Odd Meters for All Instruments (Advance Music/Schott). He is also a leader of several ensembles with several CD’s in his discography.
Kenny Martin – drums. He comes from Queens (Springfield Gardens), New York and studied at the Berkley School of Music in Boston and with such greats as Tony Williams, Jack DeJonette, Billy Cobham and Narada Michael Walden . He has been recorded on nearly 150 CDs or albums. Leader of his own band(s) for many years such as Pocket Zone, License To Thrill and Walk The Plank. He has also toured and recorded with Defunkt, Peter Fox, Liquid Hips, No Angels, Jaco Pastorius, Kenny Kirkland, Lester Bowie, Red Holloway, Sheldon Powell, Massimo Farao’, Bob Cunningham, Ed Schuller, Golden Gospel Singers, Jean-Paul Bourelly, HHR Big Band, Jeff Lorber,Eric Marienthal to name only a few.
Maximilian Hughes – E. bass. Max started singing in a choir at age 6 and began playing the clarinet at age 8. At 15, he eventually settled on the electric bass as his main instrument. Max has an Associate’s of Arts in Humanities from the University of Maryland, and he studied classical and modern composition at the University of California, San Diego, UCSD.
He graduated with a Bachelor of Arts in Music from the Berklee College of Music and has guested on many projects and recordings, including those by Chaka Khan, John-Paul Bourelly, Wolfgang Dauner, Tanmoy Bose, Jocelyn B.Smith, and Ack van Rooyen. Max lives in Berlin, teaches at the Jazz Institute Berlin (JIB), and is the author of the music education book “Find Your Individual Way”, “Creative Solo Bass,” published by AMA Verlag GmbH, Brühl.
Fuasi Abdul-Khaliq – Saxophone, Clarinet, Flute
Rolf Zielke – Piano
Maximilian Hughes – E-Bass
Kenny Martin – Drums
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Fuasi Abdul-Khaliq – Saxophone, Clarinet, Flute
Rolf Zielke – Piano
Maximilian Hughes – E-Bass
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STEPHANIE LOTTERMOSER «IN-DEPENDENCE» FEAT: TILL SAHM-ROBERT SCHULENBURG-FELIX LEHRMANN «Stephanie Lottermoser begeistert ihr Publikum und nimmt es energiegeladen mit auf eine genussvolle Reise die Jazz, Soul und Pop enthält. Kommerziell klingt
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STEPHANIE LOTTERMOSER
«IN-DEPENDENCE»
FEAT: TILL SAHM-ROBERT SCHULENBURG-FELIX LEHRMANN
«Stephanie Lottermoser begeistert ihr Publikum und nimmt es energiegeladen mit auf eine genussvolle Reise die Jazz, Soul und Pop enthält. Kommerziell klingt diese Melange trotzdem nie, sie hat ihre ganz eigene Handschrift, mit der sie sich in die erste Liga der deutschen Jazzszene komponiert, gespielt und gesungen hat. Ihre Musik ist im besten Sinne Wohlfühljazz, emotional und eingängig, doch dabei ausgefeilt, episch und dynamisch.»
Dieter Ungelenk, Neue Presse Coburg
Das aktuelle Album IN-DEPENDENCE der preisgekrönten Saxophonistin und Sängerin unterstreicht die Bedeutung der Unabhängigkeit, auf welche sie als Künstlerin immer großen Wert gelegt hat, dies gilt auch für das Freimachen von Jazz-Stereotypen und die Suche nach einer eigenen, authentischen Sprache und deren steter Weiterentwicklung. Das Ergebnis sind klare kompositorische Linien, eingängige Melodien, emotionale Ansprache und eine subtile Virtuosität, fernab von akademischer Nüchternheit und Technikaffinität.
Die Presse feiert sie als «Powerfrau wie sie im Buche steht, als bekennende Feministin und Sympathieträgerin», die mir ihrer Musik eine intim-mitreißende Atmosphäre schafft. Von Hamburg aus ist sie mittlerweile international auf Tour, zuletzt im Jahr 2023 in Mexico, der Dominikanischen Republik, sowie in Ghana und der Elfenbeinküste. Heute im A-Trane:)
Stephanie Lottermoser – Tenorsaxophone, Vocal
Till Sahm – Keyboards
Robert Schulenburg – Bass
Felix Lehrmann – Drums
Fotos©SimonHeydorn
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Stephanie Lottermoser – Tenorsaxophone, Vocal
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Robert Schulenburg – Bass
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MIA KNOP JACOBSEN «EASE» ALBUM RELEASE CONCERT FEAT: JULIA HÜLSMANN-IGOR OSYPOV-MARC MUELBAUER-PHILIP DORNBUSCH «Mia Knop Jacobsen ist eine Künstlerin im Aufstieg, die mit “EASE” Musikgenres verschmelzt» Mia
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MIA KNOP JACOBSEN
«EASE»
ALBUM RELEASE CONCERT
FEAT: JULIA HÜLSMANN-IGOR OSYPOV-MARC MUELBAUER-PHILIP DORNBUSCH
«Mia Knop Jacobsen ist eine Künstlerin im Aufstieg, die mit “EASE” Musikgenres verschmelzt»
Mia Knop Jacobsen, eine hochtalentierte Künstlerin, die in den vergangenen fünf Jahren durch ihre Mitwirkung in sieben verschiedenen Bandprojekten für Aufsehen gesorgt hat, steht bereit, den nächsten großen Schritt in ihrer Musikkarriere zu machen. Mit ihrem neuesten Album “EASE” tritt sie nicht nur als beeindruckende Bandleaderin in Erscheinung, sondern auch als herausragende Komponistin. Dieses Projekt markiert einen mutigen Versuch, die Grenzen zwischen Pop und Jazz auf innovative und fesselnde Weise zu verschmelzen.
Die Titel des Albums “EASE” lassen erahnen, dass es sich hierbei um ein Werk handelt, das alle Masken fallen lässt. Die Songs wurden im Jahr 2022 geschrieben und im Herbst desselben Jahres im renommierten Hansa Studio aufgenommen. Das Album beeindruckt mit einer hochkarätigen Bandbesetzung, zu der die renommierte ECM-Künstlerin Julia Hülsmann (Klavier), Eva Kresse (Schlagzeug), Marc Muelbauer (Bass), Igor Osypov (Gitarre) und featured das Mondena String Quartett. Diese beeindruckende Zusammenarbeit vereint einige der strahlendsten Sterne der deutschen Jazzszene. “EASE” ist zweifellos das persönlichste und tiefgreifendste Werk von Mia Knop Jacobsen bisher, und die Songs sind das Ergebnis eines ehrlichen und kreativen Heilungsprozesses, der die Zuhörer berührt, mitreißt und fasziniert. “Durchsichtigkeit” ist das Schlüsselwort dieses Albums, das von einer unermüdlichen Suche nach lyrischem und metaphorischem Ausdruck geprägt ist.
Das mit Spannung erwartete Album “EASE” wird sein Debüt am 19. April 2024 beim Auftakt Konzert des Jazzfest Bonn feiern und verspricht, eines der Highlights des Musikjahres 2024 zu werden. Mia Knop Jacobsen zeigt sich als aufstrebender Star, der auf faszinierende Weise die Brücke zwischen verschiedenen Musikgenres schlägt. Ihr Talent und ihre Leidenschaft für die Musik sind in jedem Ton spürbar, und “EASE” wird zweifellos die Zuhörer in ihren Bann ziehen.
Mia Knop Jacobsen
Mia Knop Jacobsen ist eine preisgekrönte dänische Sängerin und Komponistin , die mit ihrer organischen Verschmelzung von Pop, Jazz und elektronischer Musik internationale Anerkennung für ihre einzigartige Stimme in der heutigen Musikszene erlangt hat. Als Sängerin tourte Mia ausgiebig durch Südamerika, Asien, Nordamerika und Europa. Sie trat bei wichtigen Musikfestivals und Veranstaltungsorten auf, darunter Jazz Open Stuttgart 2017 (Backing Vocalist bei Quincy Jones & Friends mit George Benson und Jacob Collier), Belgrade Jazz Festival, International Jazzfestival Halle 2020 – (Women In Jazz) Kennedy Center for Performing Arts, Rochester International Jazz Festival, Le Poisson Rouge in New York City, Constellation in Chicago, IL, Jazz Rally in Düsseldorf, Konzerthaus Berlin, um nur einige zu nennen. Mia lebt derzeit in Berlin, Deutschland, und ist Gründungsmitglied des Trios Rosemarine, dessen selbstbetiteltes Debütalbum in den berühmten Londoner Eastcote Studios aufgenommen und auf dem amerikanischen Plattenlabel Ropeadope veröffentlicht wurde (2019). Im März 2023 kam das zweite Album der drei Musiker raus (XJazz Music). Mia ist außerdem in 7 weiteren Projekten involviert, darunter als Font Sängerin des VKKO Orchester, des Ramiro Olaciregui Ensemble, dem Duo um Hauke Renken & Mia Knop Jacobsen (“Classic Project”) und in 3 verschiedenen Projekten mit der Pianistin und ECM Künstlerin Julia Hülsmann (Last Chance to Misbehave, Of Hearts and Mistakes, Heaven Steps to Seven). Als Absolventin des Jazz Instituts Berlin und ehemalige Schülerin des Star-Vocal Coach David Lee Brewer wurde Mia 2017 für ihr Quintett The Mia Knop Jacobsen Group mit dem Sparda Jazz Award sowie 2018 mit Betty Carters Jazz Ahead Residency (das John F. Kennedy Center for the Performing Arts in Washington, D.C.) ausgezeichnet. 2020 wurde Mia für ihren Debütsong als Solokünstlerin „Losing Our Game“ bei der Listen To Berlin Award 2020 ausgezeichnet, welches auf der CD-Compilation Listen To Berlin zu hören ist.
Mia Knop Jacobsen – Gesang, Komposition
Julia Hülsmann – Piano
Igor Osypov – Guitar
Marc Muelbauer – Bass
Philip Dornbusch – Drums
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Mia Knop Jacobsen – Gesang, Komposition
Julia Hülsmann – Piano
Igor Osypov – Guitar
Marc Muelbauer – Bass
Philip Dornbusch – Drums
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE FACEBOOK LIVE Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die
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Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die Spontanität zu erhalten, was die Montagskonzerte von Andreas Schmidt & Friends ausmacht, werden die Musiker kurzfristig bekannt gegeben,
It´s me, the Monday A-Trane pianist Andreas Schmidt. Since 1995 I played here about 900 wonderful & surprising improvised happenings in music with lots of friends like Jay Clayton, Hayden Chisholm, Dave Douglas, Walter Norris, Mark Murphy, Till Brönner, Sebastian Merk, Andreas Edelmann, Jan Roder, Connie Crothers, Max Andrzejewski, Andy Fite etc.. Here’s what Richard Williams wrote about me in his blog: «If you’re ever at a loose end in Berlin on a Monday night, my advice would be to head for A-Trane, the jazz club in Charlottenburg, where Andreas Schmidt, a pianist, composer and teacher at the city’s Jazz Institut, holds a weekly free-admission session featuring a changing cast. Schmidt is a fine pianist, the salient features of his playing located somewhere between the Paul Bley of the mid-’60s and the Chick Corea of «Now He Sings, Now He Sobs». You might get an idea of his approach if I say that his first album was made (in 1995) with Lee Konitz, and a later one comprised a duo with Gary Peacock. His music is cerebral, but on the evidence I’ve heard it never lacks wit and humanity.» Richard Williams
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ADA MORGHE RELEASE «LOST ACOUSTIC TOUR» 2024 «Ada Morghe sings and recites in an intoxicating style that hints at Marianne Faithfull, Grace Jones and Nina Simone.» DAILY EXPRESS SCOTLAND
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ADA MORGHE
RELEASE «LOST ACOUSTIC TOUR» 2024
«Ada Morghe sings and recites in an intoxicating style that hints at Marianne Faithfull, Grace Jones and Nina Simone.»
DAILY EXPRESS SCOTLAND 2023
2023 war ein herausragendes Jahr für die Sängerin und Pianistin Ada Morghe. Ihr drittes Album „LOST“, ein konzeptionelles und gesangliches Meisterwerk, das sich stilistisch zwischen Jazz, Soul und Drum´n´Bass bewegt, begeisterte Presse und Fans. Nach einer ausverkauften Tour in Deutschland und Konzerten in London erscheint 2024 das LOST DELUXE Album inklusive bisher unveröffentlichter Aufnahmen, sowie eine Akustik EP, die ihre unverwechselbare Stimme besonders hervorhebt.
Begleitet von den UK-Jazzgrößen Livingstone Brown und Luca Boscagin präsentiert Ada Morghe „LOST UNPLUGGED“ sowie neue Songs. Ihre Ausstrahlung und mitreißende Performance versprechen einen unvergesslichen Abend.
«Lost“ ist ein schwer beeindruckendes Album. Im Mittelpunkt steht hierbei die Sängerin und Pianistin Ada Morghe, welche außerhalb der Musik als Schauspielerin, Autorin und Sprecherin Alexandra Helmig bekannt ist. Wenn aus der Sprecherin die Sängerin wird, dann ist das im Falle von „Lost“ eine vokale Reise durch die seelenvolle Schönheit des Jazz voller Pop-Appeal.»
MUSIKREVEWS 2023
Ada Morghe – Vocal, Piano
Luca Boscagin – Guitar
Livingstone Brown – Bass
Foto©linda rosasaal
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Ada Morghe – Vocal, Piano
Luca Boscagin – Guitar
Livingstone Brown – Bass
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VIKTORIA TOLSTOY «LIVE 2024» ALBUM RELEASE TOUR Große Stimme des Gegenwartsjazz mit neuem Album zurück in Deutschland Kristallklar, dynamisch, wild und vibrierend, trotzdem gleichzeitig prosaisch und erdverbunden – eine der
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VIKTORIA TOLSTOY
«LIVE 2024»
ALBUM RELEASE TOUR
Große Stimme des Gegenwartsjazz mit neuem Album zurück in Deutschland
Kristallklar, dynamisch, wild und vibrierend, trotzdem gleichzeitig prosaisch und erdverbunden – eine der billantesten Stimmen Skandinaviens: Wenn Viktoria Tolstoy einen Song vorträgt, formt und prägt sie ihn auf einzigartige Weise. 2024 kehrt sie nun nach Deutschland zurück, um ihr neues Album vorzustellen, das ebenfalls im Frühjahr erscheint. Auf diesem widmet sie sich ausgewählten Kompositionen von Ida Sand, Jan Lundgren, Iiro Rantala, Lars Danielsson und Esbjörn Svensson, die sie auf ihre unnachahmliche Weise interpretiert. Außerdem präsentiert sie eigene Werke, die wieder in Zusammenarbeit mit der Songwriterin Anna Alerstedt entstanden sind.
Eine starke Verbindung zur Kunst hat Tradition in der Familie der schwedischen Sängerin Viktoria Tolstoy. Ihr Ururgroßvater war der legendäre russische Nationaldichter Leo Tolstoi. Schon die sehr junge Viktoria machte ihren Weg durch die Stockholmer Jazzclubs und spielte mit führenden schwedischen Jazzer*innen wie Svante Thuresson. 1994, mit 20, nahm sie ihr erstes Album auf. Zwei Jahre später, mit dem Album ›För Älskad‹ wurde sie in ihrer Heimat über Nacht zum Popstar. Was den Boden für die Zusammenarbeit mit Esbjörn Svensson und e.s.t. bereitete: Er produzierte und schrieb die Songs für ›White Russian‹, die erste skandinavische Platte, die beim legendären Blue Note Label erschien. Auch Nils ›Mr. Red Horn‹ Landgren produzierte und spielte mit ihr. Seither hat sich Tolstoy als eine der führenden Stimmen des Gegenwartsjazz etabliert.
Viktoria Tolstoy – Vocal
Joel LYSSARIDES – Piano
Mattias SVENSSON – Bass
Krister JONSSON – Guitar
Rasmus KIHLBERG – Drums
Fotos©Josefine Bäckström
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Viktoria Tolstoy – Vocal
Joel LYSSARIDES – Piano
Mattias SVENSSON – Bass
Krister JONSSON – Guitar
Rasmus KIHLBERG – Drums
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VIKTORIA TOLSTOY «LIVE 2024» ALBUM RELEASE TOUR Große Stimme des Gegenwartsjazz mit neuem Album zurück in Deutschland Kristallklar, dynamisch, wild und vibrierend, trotzdem gleichzeitig prosaisch und erdverbunden – eine der
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VIKTORIA TOLSTOY
«LIVE 2024»
ALBUM RELEASE TOUR
Große Stimme des Gegenwartsjazz mit neuem Album zurück in Deutschland
Kristallklar, dynamisch, wild und vibrierend, trotzdem gleichzeitig prosaisch und erdverbunden – eine der billantesten Stimmen Skandinaviens: Wenn Viktoria Tolstoy einen Song vorträgt, formt und prägt sie ihn auf einzigartige Weise. 2024 kehrt sie nun nach Deutschland zurück, um ihr neues Album vorzustellen, das ebenfalls im Frühjahr erscheint. Auf diesem widmet sie sich ausgewählten Kompositionen von Ida Sand, Jan Lundgren, Iiro Rantala, Lars Danielsson und Esbjörn Svensson, die sie auf ihre unnachahmliche Weise interpretiert. Außerdem präsentiert sie eigene Werke, die wieder in Zusammenarbeit mit der Songwriterin Anna Alerstedt entstanden sind.
Eine starke Verbindung zur Kunst hat Tradition in der Familie der schwedischen Sängerin Viktoria Tolstoy. Ihr Ururgroßvater war der legendäre russische Nationaldichter Leo Tolstoi. Schon die sehr junge Viktoria machte ihren Weg durch die Stockholmer Jazzclubs und spielte mit führenden schwedischen Jazzer*innen wie Svante Thuresson. 1994, mit 20, nahm sie ihr erstes Album auf. Zwei Jahre später, mit dem Album ›För Älskad‹ wurde sie in ihrer Heimat über Nacht zum Popstar. Was den Boden für die Zusammenarbeit mit Esbjörn Svensson und e.s.t. bereitete: Er produzierte und schrieb die Songs für ›White Russian‹, die erste skandinavische Platte, die beim legendären Blue Note Label erschien. Auch Nils ›Mr. Red Horn‹ Landgren produzierte und spielte mit ihr. Seither hat sich Tolstoy als eine der führenden Stimmen des Gegenwartsjazz etabliert.
Viktoria Tolstoy – Vocal
Joel LYSSARIDES – Piano
Mattias SVENSSON – Bass
Krister JONSSON – Guitar
Rasmus KIHLBERG – Drums
Fotos©Josefine Bäckström
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Viktoria Tolstoy – Vocal
Joel LYSSARIDES – Piano
Mattias SVENSSON – Bass
Krister JONSSON – Guitar
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A-TRANE PRÄSENTIERT: ANDREAS SCHMIDT& FRIENDS EINTRITT FREI & ENTRANCE FREE FACEBOOK LIVE Auf dem unteren Link zur Facebookseite von Andreas Schmidt erfahren Sie, wer alles an diesem Konzerttag auftreten wird. Um die
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The Choir Invisible «Town Of Two Faces» Intakt Record Release FEAT: CHARLOTTE GREVE-CHRIS TORDINI-VINNIE SPERRAZZA Englisch Comprised of saxophonist Charlotte Greve (Lisbeth Quartet, Wood River), bassist
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The Choir Invisible
«Town Of Two Faces»
Intakt Record Release
FEAT: CHARLOTTE GREVE-CHRIS TORDINI-VINNIE SPERRAZZA
Englisch
Comprised of saxophonist Charlotte Greve (Lisbeth Quartet, Wood River), bassist Chris Tordini (Tyshawn Sorey, Chris Speed), and Vinnie Sperrazza (EMBER, Michael Formanek), the Choir Invisible takes their name from a hymn-like Sperrazza composition. Founded in Brooklyn in 2018, the group’s combination of haunting melodies, visceral improvisations, and earthy grooves brought them to Intakt Records, who are releasing their second album, Town Of Two Faces, on February 16th. The group will be on tour in the US and Europe in 2024.
„Infused with an inventive and organic zest a sonic odyssey which continues to chart the trio’s distinct musical dialect. Town Of Two Faces stands as a testament to jazz’s enduring dynamism and adaptability, blending complexity with a welcoming openness.”
Glenn Astarita, All About Jazz
„Infusing nuanced rhythmic detail, to-the-point melodies, and a seamless fusion of jazz and rock elements, the trio strikes a harmonic balance and stylistic coherence in their quietly moving sophomore release, Town of Two Faces.
The Choir Invisible achieves an elegant, soulful fluency that invites listeners to unravel some ambiguity but also discern consummate ideas that develop with exquisite taste toward many possibilities. It’s a strong come back from this well-oiled trio.“
Felipe Freitas, JazzTrail.net
Deutsch
Das kollektive Trio, “The Choir Invisible”, bestehend aus drei bedeutenden Persönlichkeiten der kreativen Musikszene Brooklyns – Charlotte Greve (Lisbeth Quartett, Wood River), Chris Tordini (Tyshawn Sorey, Chris Speed), and Vinnie Sperrazza (EMBER, Michael Formanek), – veröffentlicht sein lang erwartetes zweites Album auf Intakt Records. Auf “Town of Two Faces” entwickeln sie ihre einzigartige Sprache ohne Harmonieinstrument weiter zu einem lebhaften Dialog. Mit allen drei Bandmitgliedern, die Kompositionen beisteuern, ist der emotionale und strukturelle Inhalt ihrer Musik breit gefächert, gleichzeitig bleiben Improvisation und Melodie stets verwurzelt in einem tiefen Groove. Eine working Band seit 2018 und ein Trio auf höchstem Niveau!
Charlotte Greve – Saxophone
Chris Tordini – Bass
Vinnie Sperrazza – Drums
Foto©Desmond White
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Charlotte Greve – Saxophone
Chris Tordini – Bass
Vinnie Sperrazza – Drums
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Sophie Wegener / Paulo Morello & Marc Muellbauer «Minha Alma Canta» Bossa Nova English: The Franco-German singer Sophie Wegener, “Germany’s no.1 Bossa nova artist” according to Die Welt, has dedicated herself entirely
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Sophie Wegener / Paulo Morello & Marc Muellbauer
«Minha Alma Canta»
Bossa Nova
English:
The Franco-German singer Sophie Wegener, “Germany’s no.1 Bossa nova artist” according to Die Welt, has dedicated herself entirely to this genre. The bitter-sweetness, the joyful rhythms paired with melancholy melodies and beautiful lyrics make Bossa nova irresistible to her and she feels a deep love and connection to this music. With an incredible ear for language and a chameleon-like ability to make Brazilian Portuguese her own, she takes you back to the beach front bars of 1960s Rio where Tom Jobim and João Gilberto were regulars. But you might ask: “What is Bossa nova, anyway?” In the words of the immortal Vinícius de Moraes, diplomat and lyric writer extraordinaire, “Bossa nova is the youngest child of traditional samba who had an affair with jazz.”
Sophie is supported by the virtuoso guitarist Paulo Morello who toured with Bossa legends Leny Andrade and Johnny Alf and the versatile Marc Muellbauer on acoustic bass. In fact, the two of them frequently perform together as a duo.
Sophie Wegener’s concerts are an “enchanting journey, and her sweet and casually relaxed voice seduces with a colorful program full of emotions (Jazzthing).” And even if she gets to take center stage as a singer, there is still a lot of room for her musicians on guitar and acoustic bass to delight the audience with numerous solos.
Deutsch:
Die deutsch-französische Sängerin Sophie Wegener hat sich ganz dem Bossa nova verschrieben, der Musik, die in den späten 1950er Jahren in Brasilien ‘erfunden’ wurde. Nachdem sie mit ihrer Band Zona Sul drei Alben veröffentlichte (“Pure love – Um amor tão puro”, “Beira” und “Tem mais samba”) und weltweit in Jazzclubs auftrat, geht sie begleitet von Gitarre und Bass neue Wege und entscheidet sich für einen noch intimeren Sound. Dabei verzaubert sie die Zuhörer mit großen Gefühlen und heiter entspannten bis bittersüßen Kompositionen von Tom Jobim, Caetano Veloso oder Baden-Powell.
Mit Paulo Morello an der Gitarre und Marc Muellbauer am Kontrabass stehen ihr nicht nur erstklassige Begleiter zur Seite – es ist ein besonderes Erlebnis das Zusammenspiel dieser beiden Virtuosen zu erleben. Und auch wenn Sophie Wegener als Sängerin im Mittelpunkt steht, bleibt immer genug Raum für ihre Musiker die Zuhörer mit zahlreichen Soli zu begeistern.
«Musik, die alle Sinne umschmeichelt. Traumhaft.»
Süddeutsche Zeitung
«Deutschlands Bossa-Nova-Interpretin Nummer eins.»
Die Welt
Mit Marc Muellbauer und Paulo Morello treffen zwei Meister ihres Faches zusammen.
Paulo Morello gilt als einer der interessantesten Jazzgitarristen Europas. Zusammen mit der Grammy-Gewinnerin Leny Andrade oder dem Bossa Nova-Urvater Johnny Alf gastierte Morello auf den bedeutendsten Europäischen und Südamerikanischen Jazz Festivals. Seine Feuertaufe in Sachen Hammond-Trio bestand er als Sideman des legendären Jimmy Smith, den er auf dessen letzter Europa-Tournee begleitete. Darüber hinaus arbeitete er mit Randy Brecker, Bob Mintzer, Paul Kuhn, Ivan Lins, Pat Martino, Airto Moreira, Ulf Wakenius, Philip Catherine und Larry Coryell zusammen. “Paulo Morellos Gitarre klingt, als hätte es George Benson nach Rio de Janeiro verschlagen“, so die AZ München. Seit 2020 lehrt Morello als Professor für Gitarre am Jazz Institut Berlin.
Marc Muellbauer, in London geboren und in Berlin lebend, arbeitet als Bassist, Komponist und Bandleader. Als Mitglied des Julia Hülsmann Quartet hat er mit Not Far From Here 2019 seine siebte CD für das Münchener Label ECM aufgenommen. Neben dem Quartett, und dem Julia Hülsmann Trio, komponiert und arrangiert er für seine neunköpfige Band Marc Muellbauer’s Kaleidoscope und das Wood and Steel Trio. Er arbeitet in so unterschiedlichen musikalischen Umfeldern wie dem Lisbeth Quartett, in elektronischer Musik mit Moritz v. Oswald, im Studio an Filmmusik, mit Singer-Songwritern und in der Neuen Musik.
Sophie Wegener – Vocals
Paulo Morello – Guitar
Marc Muellbauer – Acoustic Bass
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Sophie Wegener – Vocals
Paulo Morello – Guitar
Marc Muellbauer – Acoustic Bass
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ADHD AT THE A-TRANE “SPONTANEOUS BERLIN CONCERT” ADHD will perform a spontaneous concert with songs from their catalogue of all recordings. It is almost impossible to describe their concerts along traditional
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ADHD AT THE A-TRANE
“SPONTANEOUS BERLIN CONCERT”
ADHD will perform a spontaneous concert with songs from their catalogue of all recordings.
It is almost impossible to describe their concerts along traditional musical parameters. A performance by these four friends is always an all-encompassing ritual, a magic potion of incantation dance and a phenomenon of nature. They simply produce their energy out of themselves. This unbridled stream of human vibration, which overrides all perimeters of genre and fascinates jazz fans as much as rock fans and ravers.
ADHD celebrated last year 2023 their tenth anniversary of performing in Germany at the A-Trane.
«Man kann das Jazz nennen — muss man aber längst nicht. Wir haben alle einen unterschiedlichen musikalischen Background. Ich denke, das macht diese unterschiedlichen Sounds und die Vielseitigkeit unserer Platten aus. Jeder von uns schreibt auf eine andere Art und Weise, aber wir kommen mit Respekt und Liebe für die Spielweise des anderen zusammen und finden eine Basis, um jedes Stück zu bearbeiten»
Thómas Jónsson
Zu den Einflüssen der Band gehört Miles Davis genauso dazu wie Radiohead, Dr. John und Steely Dan.
ADHD gründeten sich 2009, als der Saxophonist Óskar Guðjónsson eine Anfrage vom „Blues and Jazz Festival“ in Höfn (eben jenem Ort, wo mehr als 12 Jahre später „ADHD 8“ entstand) erhielt. Er überlegte, mit welcher Formation er auftreten wollte — und entschied sich, gemeinsam mit seinem Bruder Ómar an der Gitarre, Davíð Þór Jónsson an den Keyboards und Magnús Trygvason Eliassen am Schlagzeug ein neues Quartett zu gründen. Die Chemie stimmte — und nur ein Jahr später erschien mit „ADHD“ das Debütalbum der Band, das bei den Icelandic Music Awards als „Jazz- Album des Jahres“ ausgezeichnet wurde. In den Folgejahren tourte die Band kontinuierlich und veröffentlichte fünf weitere Studioalben (darunter ein Doppelalbum) und ein Livealbum. 2018 verließ Davið Þór die Band — statt ihm kam Tómas Jónsson, der im Laufe der Jahre immer wieder mal als Ersatzmann eingesprungen war. Eine perfekte Wahl — die Band war wieder komplett und lädt ihre Fans nun mit ADHD zum nächsten akustischen Abenteuer ein.
Óskar Guðjónsson – Saxophone
Ómar Guðjónsson – Guitar / Bass
Thómas Jónsson – Piano / Keys
Magnús Trygvason Eliassen – Drums / Percussion
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Óskar Guðjónsson – Saxophone
Ómar Guðjónsson – Guitar / Bass
Thómas Jónsson – Piano / Keys
Magnús Trygvason Eliassen – Drums / Percussion
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Jens Düppe Quartett Jazz On Vinyl Records Album Release «TEN YEARS» Das Jens Düppe Quartett präsentiert sein aktuelles Jubiläumsalbum „TEN YEARS“ zum 10 Jährigen Bestehen der Formation. «TEN YEARS“ erschien für das junge
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Jens Düppe Quartett
Jazz On Vinyl Records Album Release «TEN YEARS»
Das Jens Düppe Quartett präsentiert sein aktuelles Jubiläumsalbum „TEN YEARS“ zum 10 Jährigen Bestehen der Formation.
«TEN YEARS“ erschien für das junge und aufstrebende exklusiv Label jazz-on-vinly aus Erding. Das Quartett hat sich für sechs “Best Of“ Kompositionen der letzten drei Alben entschieden und diese live in der Jazzschmiede Düsseldorf aufgenommen.
Das Quartett um den Kölner Schlagzeuger und WDR Jazzpreisträger überzeugt von Anfang an. Bereits mit seinen ersten Alben rief es Reaktionen hervor wie „leading light for modern jazz“ (Midwest record) oder „bester europäischer Jazz“ (Jazzpodium). 2018 wurde Düppe als “bester Drummer national” zum ECHO Jazz nominiert. Zusammen mit dem Trompeter Frederik Köster, dem Pianisten Lars Duppler und Christian Ramond am Kontrabass tritt das Quartett als Ganzes derartig stark auf, dass die live Presse nicht umhin kommt, die Konzerte des Quartetts als „atemberaubende Klangabenteuer” (Holsteiner Courier) oder schlichtweg als „happenings zu betiteln.”
Reinhard Köchl
Sind Schlagzeuger wirklich die besseren Bandleader? Vielleicht sogar die besseren Komponisten? Diese Fragen stellen sich nicht wenige spätestens seit Art Blakey, der mit seinen Jazz Messengers Geschichte schrieb und über Generationen mehr Ausbildung betrieb, als dies je an einer Hochschule möglich gewesen wäre. Chico Hamilton, Paul Motian, Ben Riley, Al Foster, Bill Stewart, Jack DeJohnette und in Deutschland auch Jens Düppe beweisen vor allem eines: Sobald ein Drummer den imaginären Dirigentenstab in der Hand hält, klingt jede Band anders. organischer, komplexer, ausgeglichener.
Jedes Publikum eines Konzertes mit dem Jens Düppe Quartett weiß nach einem facettenreichen, spannenden und entspannten Abend exakt, wo dieser Unterschied liegt. Denn Düppe ist definitiv einer der musikalischsten Schlagzeuger der Republik. Kein Haudrauf-Bumbum-Athlet, der sein Drumset als „Schießbude“ oder „Batterie“ missdeutet. Denn aus den Fellen können Noten wachsen, viele Noten, vom Puls und den Pausen einmal ganz zu schweigen. Der 48-jährige Kölner interpretiert seine Rolle nicht als klassisch heizender, hochtouriger Verbrennungsmotor, sondern sieht sich eher als fein schnurrender E-Antrieb, der alles unspektakulär, aber höchst effektiv am Laufen hält, sowohl die Rhythmen wie auch die Töne. Er ist der Puls der Musik, ganz egal, ob sie modern swingt oder in spannende Klangcollagen mündet, und versteht es eindrucksvoll, seinen Fantasien mit feinen Händen Gestalt zu verleihen.
Jens Düppe allein bei seiner Arbeit zu beobachten, bereitet enormes Vergnügen. Er fächert mit den Handflächen auf den Becken oder den Trommelfellen, lässt genüsslich Shaker durch die Luft kreisen oder legt einen ganzen Teppich voller Polyrhythmen auf das Set, so als wäre es das Einfachste der Welt. Mit dieser wundersamen Melange aus Groove und Klang gelingt es ihm, die Mitglieder seiner „Freundesband“ in einen großen, kollektiven Sog zu lotsen und sie dabei noch ein Quäntchen besser klingen zu lassen. Bei Frederik Köster wäre dies eigentlich gar nicht mehr nötig. Dem augenblicklich besten deutschen Jazztrompeter gelingt es aber tatsächlich, in diesem Quartett eine neue Stufe seiner unglaublichen Fähigkeiten zu erklimmen. Köster tänzelt ebenso wie seine drei Brüder im Geiste, nahezu schwerelos durch das musikalische Hügelland der Düppe-Kompositionen, bis alles zu einem kollektiven Ausdruck verschmilzt. Eine Frage des gegenseitigen Vertrauens und eines stabilen Zentrums. Dem fügen sich auch Pianist Lars Duppler, der mit seinen lyrisch verbindenden Läufen so etwas wie der Wunschpianist jeder zeitgenössischen Combo ist, sowie der unverkennbar geschmackvolle Bassist Christian Ramond, von Düppe „meine Legende“ genannt, weil nun mal jede Band ihre eigene Legende braucht.
Diese hier besteht nun schon zehn Jahre in derselben Besetzung. Eine lange Zeit, aus der fünf Alben erwuchsen, eine ungewöhnliche Form der Kontinuität. Oder vielleicht der Beweis, dass es sich lohnt, „dran“ zu bleiben, ein Klangbild immer mehr zu verfeinern, daran zu arbeiten, es gleich einer rohen Skulptur mit Details zu versehen, Rundes und Weiches durch Eckiges und Kantiges zu ersetzen oder umgekehrt. Die Entwicklung einer kreativen Keimzelle ist nie zu Ende, vor allem wenn die Vertrautheit wächst. Denn dieser eine Moment, auf den es im Jazz ankommt, beginnt jedes Mal von vorne.
Jens Düppe – Drums, Compositions
Frederik Köster – Trumpet
Lars Duppler – Piano
Christian Ramond – Bass
Foto Band©Jürgen Bindrim
Band Foto Von Hinten Foto©Peter Trümmers
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Jens Düppe – Drums, Compositions
Frederik Köster – Trumpet
Lars Duppler – Piano
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DAVID HAYNES AND FRIENDS «GROOVE NIGHT» “Come out and enjoy our new project dedicated to all the groove nights in the history with David Haynes and Friends Show inviting
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DAVID HAYNES AND FRIENDS
«GROOVE NIGHT»
“Come out and enjoy our new project dedicated to all the groove nights in the history with David Haynes and Friends Show inviting Colin Rich, Ania Szarmach, Till Sahm, Max Bahr, Ben Jud.»
David
David Haynes
Mitte der neunziger Jahre sorgte ein junger Amerikaner auf Drumfestivals und Musikmessen für Furore. Mit einer handlichen Drum Machine bewaffnet, legte David Haynes mit zwei Fingern Grooves aufs Parkett, für die andere ein großes Fusion-Besteck benötigten. Mit atemberaubender Schnelligkeit und beeindruckendem Feel begleitete er auf die-sen kleinen Pads dadurch bereits in jungen Jahren etliche bekannte Szene-Ikonen. Heute ist er nicht nur der Großmei-ster des Fingerdrummings, sondern auch am Drumset zu einem weltweit gefragten Musiker avanciert. Übrigens: David Haynes ist der Schlagzeuger der Till Brönner Band. Er spielte auch u.a. mit Prince, Chaka Khan, Lee Ritenour, Joe Za-winul und viele andere.
Ania Szarmach
Musikerin, Sängerin, Komponistin, Texterin und Produzentin. Sie absolvierte die Gesangsabteilung der Abteilung für Jazz- und Unterhaltungsmusik an der Musikakademie in Katowice. Ihre Stimme ist als Hintergrundstimme in Dutzenden von Schallplatten polnischer Sänger und Musiker zu hören. Parallel dazu ging sie ihren ganz individuellen, eigenständigen musikalischen Weg. Sie veröffentlichte vier Alben – Sharmi (2006), Inna (2010), POZYTYWka (2012), Shades of Love (2016). Sie wurde dreimal zusammen für die Fryderyk Awards (2006, 2010) und zweimal für Super Jedynka (2007) nominiert. 2013 begann Ania ihre künstlerische Zusammenarbeit mit dem amerikanischen Soul- und Jazzmusiker Frank McComb. Daraus entstanden ihre gemeinsamen Konzerte zwischen 2013 und 2016. Die Musik von Ania Szarmach ist eine Kombination aus vielen Stilrichtungen – Soul, Jazz, R’n’B, Clubmusik. An ihren Projekten nahmen exzellente Jazz- und Popmusiker aus Polen und der Welt teil, wie Anna Maria Jopek, Marcin Wasilewski, Adam Bałdych, David „Fingers“ Haynes, Frank McComb uva. Sie spielt ihre Konzerte auch in Polen und im Ausland.
Colin Rich
Wenn man in einer Stadt aufwächst, die mit Musikgrößen wie Elvis Presley, BB King oder Aretha Franklin in Verbindung gebracht wird, in einer Stadt, die die Leute „Geburtsort des Rock’n’Roll“ oder „Heimat des Blues“ nennen, ist es nur natürlich, dass man in jungen Jahren gezwungener Maßen selbst zur Musik hingezogen wird:)
Genauso wie der in Memphis Tennessee geborene Sänger Colin Rich. Die Liebe zur Musik erwischte ihn schon früh in seinem Leben und so verbrachte er viele Stunden seiner Jugend in der Beale Street, der legendären Bluesmeile von Memphis, wo er seine ersten Auftritte in einigen der berühmten Bars und Clubs hatte. Hier entwickelte er seine fantastische, gefühlvolle Stimme und fesselnde Bühnenpersönlichkeit. Anschließend studierte er Musik an der Overton High School of Perfoming Arts und sang in mehreren Chören von Memphis und eröffnete eine Show für Musikstars wie Stevie Wonder.
Seine Reiselust und eine Aufnahmesession in Berlin als Background-Sänger brachten Colin 1993 in die deutsche Hauptstadt. Neue Karrieremöglichkeiten und sein Interesse an der aufregenden Stadt ließen Colin in Berlin bleiben. Seitdem ist er dort zu einem musikalischen Fixpunkt geworden und dank unzähliger Konzerte im Ausland auch in ganz Europa bekannt. Seine Fans lieben seinen natürlichen Charme und seine große, gefühlvolle Stimme.
Im Studio oder auf der Bühne hat er mit vielen Künstlern wie Kool and the Gang, No Angels, Céline Dion, Jocelyn B. Smith und Simply Red zusammengearbeitet und für Film und Werbung aufgenommen. Er trat als einer der Hauptdarsteller in den Berliner Aufführungen des internationalen Musical-Hits „Rent“ auf. Colins erste Single unter eigenem Namen, „Fly“, erschien 1999 und hielt sich 2 Monate in den deutschen Single-Charts.
2005 erschien Colins erstes Album „I’ll Wait“, produziert von Mousse T. für sein Label Peppermint Jam. Die frische Mischung aus Soul & Rock des Albums fängt den musikalischen Geist von Colin ein, eine Mischung aus Musikstilen und Energien, die ihresgleichen sucht.
David Haynes – Drums
Till Sahm – Keys
Max Bahr – Guitar
Ben Jud – Bass
Colin Rich – Vocal
Ania Szarmach – Vocal
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David Haynes – Drums
Till Sahm – Keys
Max Bahr – Guitar
Ben Jud – Bass
Colin Rich – Vocal
Ania Szarmach – Vocal
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DAVID HAYNES AND FRIENDS «GROOVE NIGHT» “Come out and enjoy our new project dedicated to all the groove nights in the history with David Haynes and Friends Show inviting
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DAVID HAYNES AND FRIENDS
«GROOVE NIGHT»
“Come out and enjoy our new project dedicated to all the groove nights in the history with David Haynes and Friends Show inviting Colin Rich, Ania Szarmach, Till Sahm, Max Bahr, Ben Jud.»
David
David Haynes
Mitte der neunziger Jahre sorgte ein junger Amerikaner auf Drumfestivals und Musikmessen für Furore. Mit einer handlichen Drum Machine bewaffnet, legte David Haynes mit zwei Fingern Grooves aufs Parkett, für die andere ein großes Fusion-Besteck benötigten. Mit atemberaubender Schnelligkeit und beeindruckendem Feel begleitete er auf die-sen kleinen Pads dadurch bereits in jungen Jahren etliche bekannte Szene-Ikonen. Heute ist er nicht nur der Großmei-ster des Fingerdrummings, sondern auch am Drumset zu einem weltweit gefragten Musiker avanciert. Übrigens: David Haynes ist der Schlagzeuger der Till Brönner Band. Er spielte auch u.a. mit Prince, Chaka Khan, Lee Ritenour, Joe Za-winul und viele andere.
Ania Szarmach
Musikerin, Sängerin, Komponistin, Texterin und Produzentin. Sie absolvierte die Gesangsabteilung der Abteilung für Jazz- und Unterhaltungsmusik an der Musikakademie in Katowice. Ihre Stimme ist als Hintergrundstimme in Dutzenden von Schallplatten polnischer Sänger und Musiker zu hören. Parallel dazu ging sie ihren ganz individuellen, eigenständigen musikalischen Weg. Sie veröffentlichte vier Alben – Sharmi (2006), Inna (2010), POZYTYWka (2012), Shades of Love (2016). Sie wurde dreimal zusammen für die Fryderyk Awards (2006, 2010) und zweimal für Super Jedynka (2007) nominiert. 2013 begann Ania ihre künstlerische Zusammenarbeit mit dem amerikanischen Soul- und Jazzmusiker Frank McComb. Daraus entstanden ihre gemeinsamen Konzerte zwischen 2013 und 2016. Die Musik von Ania Szarmach ist eine Kombination aus vielen Stilrichtungen – Soul, Jazz, R’n’B, Clubmusik. An ihren Projekten nahmen exzellente Jazz- und Popmusiker aus Polen und der Welt teil, wie Anna Maria Jopek, Marcin Wasilewski, Adam Bałdych, David „Fingers“ Haynes, Frank McComb uva. Sie spielt ihre Konzerte auch in Polen und im Ausland.
Colin Rich
Wenn man in einer Stadt aufwächst, die mit Musikgrößen wie Elvis Presley, BB King oder Aretha Franklin in Verbindung gebracht wird, in einer Stadt, die die Leute „Geburtsort des Rock’n’Roll“ oder „Heimat des Blues“ nennen, ist es nur natürlich, dass man in jungen Jahren gezwungener Maßen selbst zur Musik hingezogen wird:)
Genauso wie der in Memphis Tennessee geborene Sänger Colin Rich. Die Liebe zur Musik erwischte ihn schon früh in seinem Leben und so verbrachte er viele Stunden seiner Jugend in der Beale Street, der legendären Bluesmeile von Memphis, wo er seine ersten Auftritte in einigen der berühmten Bars und Clubs hatte. Hier entwickelte er seine fantastische, gefühlvolle Stimme und fesselnde Bühnenpersönlichkeit. Anschließend studierte er Musik an der Overton High School of Perfoming Arts und sang in mehreren Chören von Memphis und eröffnete eine Show für Musikstars wie Stevie Wonder.
Seine Reiselust und eine Aufnahmesession in Berlin als Background-Sänger brachten Colin 1993 in die deutsche Hauptstadt. Neue Karrieremöglichkeiten und sein Interesse an der aufregenden Stadt ließen Colin in Berlin bleiben. Seitdem ist er dort zu einem musikalischen Fixpunkt geworden und dank unzähliger Konzerte im Ausland auch in ganz Europa bekannt. Seine Fans lieben seinen natürlichen Charme und seine große, gefühlvolle Stimme.
Im Studio oder auf der Bühne hat er mit vielen Künstlern wie Kool and the Gang, No Angels, Céline Dion, Jocelyn B. Smith und Simply Red zusammengearbeitet und für Film und Werbung aufgenommen. Er trat als einer der Hauptdarsteller in den Berliner Aufführungen des internationalen Musical-Hits „Rent“ auf. Colins erste Single unter eigenem Namen, „Fly“, erschien 1999 und hielt sich 2 Monate in den deutschen Single-Charts.
2005 erschien Colins erstes Album „I’ll Wait“, produziert von Mousse T. für sein Label Peppermint Jam. Die frische Mischung aus Soul & Rock des Albums fängt den musikalischen Geist von Colin ein, eine Mischung aus Musikstilen und Energien, die ihresgleichen sucht.
David Haynes – Drums
Till Sahm – Keys
Max Bahr – Guitar
Ben Jud – Bass
Colin Rich – Vocal
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